La bella necessità è che è necessario illudersi: che non possiamo più pretendere di uscire dall’inganno pretendendo una verità che non abbia a che fare con l’inganno.

Pier Aldo Rovatti citando Friedrich Nietzsche, in Quasi per gioco,
Bolzano 1995, pp. 159 – 160

“Non dico nulla di nuovo – scrive Michel Leiris in Francis Bacon – dicendo che nel nostro tempo e nei nostri paesi, non dovendo più contribuire alla gloria divina o a quella delle potenze regnanti, l’arte si è liberata di tutti i cerimoniali che esigono una idealizzazione che ha ritrovato la propria funzione, forse fondamentale, di gioco”.
Gianna T sembra interpretare quello che già Johan Huizinga, autore della più famosa analisi antropologica sul gioco, sosteneva che il gioco stesso non appartiene alla ‘vita ordinaria’, anzi le si sottrae, spesso le si oppone e ad ogni modo letteralmente la mette in gioco. “Tutte le analisi – scrive lo studioso in Homo ludens – sottolineano il carattere disinteressato del gioco. Non essendo ‘la vita ordinaria’, sta al di fuori del processo di immediata soddisfazione di bisogni e desideri. Interrompe quel processo. Vi s’introduce come un’azione provvisoria che ha fine in sé, ed è eseguita per amore della soddisfazione che sta in quell’esecuzione stessa”. Pur essendo a tutti gli effetti un’attività dello spirito,
“non contiene una funzione morale, né virtù, né peccato. Certo è che, governato dal desiderio, il gioco rappresenta per eccellenza e in modo sublime ‘il superfluo’ dell’umano agire nel mondo; il più puro dispendio, in quanto incarnazione di libertà, ciò che più interessa in fondo la ricerca di Gianna T. L’esistenza del gioco conferma senza tregua, e in senso superiore, il carattere sopralogico della nostra situazione nel cosmo. Così l’intreccio del gioco e della fantasia, anzi il loro esaltarsi reciproco può contribuire a creare quei paradossi dell’astrazione che hanno costituito, dagli inizi del secolo scorso, parte integrante delle arti e del loro ambiguo rapporto con la vita quotidiana, poiché, come sostiene con forza Gregory Bateson in Verso un’ecologia della mente, senza quei paradossi: “la vita sarebbe allora uno scambio senza fine di messaggi stilizzati, un gioco con regole rigide e senza la consolazione del cambiamento o dell’umorismo”. Proprio coniugandosi con il ludico nei suoi aspetti più diversi, le varie forme di espressione di Gianna T sembrano voler far fronte a quella ‘faglia del quotidiano’ di cui parla ancora Leiris da buon antropologo: l’assenza di senso, l’insignificanza, “l’inanità della nostra situazione nel seno di questo mondo di cui, effimeri, noi non siamo che elementi capaci, tra tutti gli altri, di ebbrezze brillanti e vane”. Da sempre intrecciata col rito, col mito, persino con l’’azione liturgica, a cominciare dal Novecento l’arte reperisce nel gioco una sacralità disarmata di trascendenza, una miticità disertata dalle fascinazioni della memoria epica, una ritualità senz’aura, dove all’impenetrabilità dei misteri si sostituisce la risolvibilità dei passatempi enigmistici. Quanto basta a ogni modo per contrastare o dimenticare ‘la faglia del quotidiano’, la piattezza disarmante della consuetudine profana. E tutto questo nella più assoluta sobrietà di allusioni, di metafore e di estasi, in una spiritualità tutta sua.

Henry Ruggeri

Ha iniziato a “ritrarre la musica” nel 1988 spacciandosi fotografo professionista per conoscere i suoi idoli: i Ramones. Da quel giorno non ha più smesso. Oggi è il fotografo ufficiale di Virgin Radio e uno dei più seguiti fotografi “live” della scena musicale italiana (oltre 160.000 followers nei suoi profili social).
Tra i gruppi fotografati si trovano Pearl Jam, Foo Fighters, Rolling Stones, Madonna, Guns n’Roses, Muse, Ac/Dc, Ramones, REM, Kiss, U2 e tanti altri. Dal 2014 espone in varie città italiane una raccolta di foto e memorabilia che raccontano la sua carriera trentennale trascorsa nei pit dei maggiori eventi rock avvenuti nel nostro paese. Le mostre realizzate sono oltre 50 nelle città, tra le altre, di Napoli, Palermo, Roma, Cosenza, Treviso, Milano, Londra e Los Angeles.
La ricerca fotografica di Ruggeri si amplia in tutte le esposizioni organizzate da Rebelhouse.it con il supporto della Realtà Aumentata.

Non fanno che ripetere che sono rimasti pochi, che in giro non c’è più nessuno e che una volta la vita era diversa. Sposati con la terra, con gli animali, con gli alberi e le piante. Si muovono ancora bene, malgrado tutti gli anni piegati a toccare la propria ombra. Sono diffidenti, eppure alla fine ti raccontano le vicende della loro esistenza come fossi un amato fratello. Sono vecchi e depositari delle nostre radici. Il loro futuro però si esaurisce nell’attesa della prossima alba. Potremmo pensarli come figure provenienti da un passato lontano, sovrumane, eroiche e allo stesso tempo familiari.
Sono gli ultimi contadini e sono la nostra memoria.

Lorenzo Cicconi Massi

Dopo la vicenda bellica, nei primi anni ’50 l’Emilia Romagna si apre allo sviluppo nei settori agricolo, industriale, sociale con la diffusione sul territorio di numerose piccole e medie imprese. Nasce a San Giovanni in Marignano (Rimini), un’azienda produttrice di sedute per comunità – scuole, chiese, osterie – realizzate da fabbri che praticano l’antica arte della forgiatura e saldatura del metallo: la Metalmobil.
In questi cambiamenti gioca un notevole ruolo di traino il crescente turismo della riviera adriatica per cui occorrono strutture e nuove attrezzature che arredino spiagge e aree limitrofe. Metalmobil progetta un prodotto ad hoc.
Una poltroncina per stare all’aperto in qualsiasi ambiente e stagione, che regga al sole cocente dei ferragosto al mare senza deformarsi, che sia immune dalla salsedine che evapora nell’aria e si solidifica sulle superfici metalliche corrodendole. Che sia “nuova”, indistruttibile, appetibile.
Che profumi di mare e felicità.
È il 1956. Nasce la 001.

Una serata per ritrovarsi, là dove tutto ha avuto inizio, quando nel 1997 Vittorio Gagliardini – il fondatore, ancora oggi alla guida dell’azienda con i figli Mario, Cristiana e Francesca – decide di dare vita a un luogo del racconto e della rappresentazione del paesaggio marchigiano per favorire lo sviluppo della qualità architettonica considerata elemento centrale della modernizzazione territoriale. Una visione lungimirante, una lunga storia di sviluppo d’impresa che si è connesso all’investimento in cultura, tanto che Monte Roberto è divenuta un’area progettuale articolata, dove la dimensione produttiva commerciale e di servizio coabita con microarchitetture d’autore gestite in partnership con il MAXXI di Roma, lab di progetto, aule per workshop, seminari, eventi culturali, mostre, installazioni.

Visibili, nelle aree interne ed esterne, sono stati i tanti interventi di qualità sulle aree funzionali, e anche le microarchitetture, esposte come segni nel paesaggio, concesse in deposito dalla Fondazione MAXXI secondo accordi di partenariato che si sono sviluppati a partire dalla collaborazione con DemanioMarittimo.Km-278. Ognuna aveva una genesi progettuale che ha coinvolto la rivista e il sistema culturale che le ruota intorno: frammenti, oggetti, prototipi frutto della collaborazione virtuosa e proficua tra l’azienda Gagliardini, la redazione di Mappe, l’Associazione Demanio Marittimo e il museo MAXXI. Le opere provenivano in parte dalla Collezione del museo e in parte da installazioni e allestimenti che così hanno vissuto una seconda e proficua vita alimentata dalla relazione con le molte attività culturali della rete che si è sviluppata intorno a Mappe.

C’era il frammento dei container che avevano contraddistinto quel progetto espositivo, con una porzione dell’allestimento della mostra Erasmus Effect – architetti italiani all’estero, realizzata dal MAXXI nel 2013 su progetto dello studio LOT-EK di New York. C’era la bianca e cangiante White limousine, una exhibition copy realizzata da artigiani marchigiani per la mostra Food, dal cucchiaio al mondo, presentata al MAXXI nel 2015 su progetto dell’Atelier Bow-Wow di Tokyo con il coordinamento di Emanuele Marcotullio. E c’era la misteriosa ed essenziale costruzione in ferrocemento dallo studio tedesco-indiano Anupama Kundoo Architects come tecnica sperimentale per soluzioni abitative e modelli prefabbricati, nata per evidenziare le relazioni tra sostenibilità ambientale, sociale ed economica. La rivista, le installazioni e la dimensione digitale hanno composto una articolata progettualità onlife, puntualmente restituita sul portale mappelab.it, luogo di moltiplicazione e di autonoma sperimentazione digitale amplificata da un programma di social media.

20+30 non fa 50 con le sue molteplici ramificazioni ha animato la presentazione realizzata da Gagliardini Srl, insieme all’Associazione Demanio Marittimo.Km-278 e con il patrocinio dell’Ordine degli Architetti e dell’Ordine degli Ingegneri della provincia di Ancona – storici partner – con le Università del territorio, di tutte le iniziative di questi anni. L’incontro si è aperto con i saluti di Vittorio Gagliardini, editore di Mappe e primo visionario artefice di questo progetto ora guidato dal figlio Mario. Sono intervenuti anche Graziano Leoni Rettore dell’Università di Camerino, Michele Germani in rappresentanza del Rettore della Politecnica Gregori, Viviana Caravaggi Vivian, Presidente dell’Ordine degli Architetti di Ancona e degli ordini marchigiani, Stefano Capannelli, Presidente dell’Ordine degli Ingegneri della provincia di Ancona, Pippo Ciorra, curatore con Cristiana Colli di Demanio Marittimo.Km-278 e Gianluigi Mondaini dell’Università Politecnica delle Marche con cui si è sviluppata nel tempo una lunga collaborazione.

Dai rifiuti alle piattaforme, dalle centrali alle grandi infrastrutture energetiche. Là dove la sfida è sollevare e trasportare in condizioni di sicurezza estreme, dove una scintilla può causare esplosioni devastanti. ETS da oltre 40 anni parte dal problema mai dal prodotto, trova soluzioni sempre uniche rispetto a specifici contesti: climatici, industriali, progettuali. Ambito privilegiato la filiera oil&gas, ma la frontiera è l’energia con le sue tante fonti rinnovabili.

Sulla SS424 della Val Cesano che da Marotta porta nell’entroterra, alle porte di Pergola, appareun elegante sistema di facciate che caratterizza un compound industriale su cui svetta un messaggio perentorio – the way to lift your ideas – uno statement e una promessa. Benvenuti dove si sollevano idee e cose. Un motto un progetto un programma, con intorno un’azienda. Qui si concepiscono macchine e sistemi che trasportanoe sollevano cose pesantissime. Fino a 250 tonnellate, nell’oil&gas e non solo. I clienti disegnano una geografia praticamente planetaria, gli uffici di Pergola sono operativi su ogni fuso orario, le macchine preparatea sopportare condizioni che vanno da più 60 a meno 50 gradi. Sono le grandi compagnie che si occupano di estrazione, lavorazione, movimentazione, ma anche general contractor e player locali. I mercati di riferimento sono in larga parte internazionali e influenzati dalle dinamiche geopolitiche che disegnano gli equilibri strategici per la gestione delle risorse. I paesaggi che accolgono i sistemi ETS sono i più vari – deserti, grandi pianure, luoghi estremi, aree dedicate agli insediamenti tecnologici – a cui corrispondono regole e protocolli di sicurezza, certificazioni e sistemi di controllo specifici di ogni paese. Così l’impianto normativo e la cultura formale e procedurale che l’azienda ha imparato a governare, è un affresco di come si lavora nel mondo in questi settori.

Il progetto grafico “Al di là della siepe” si basa sulla volontà di progettare la skin della colonnina di Enel X Way in maniera unica e contestualizzata alla città di Recanati. Definiti i temi progettuali, la skin della colonnina, che deve richiamare la città di Recanati senza tuttavia in alcun modo rappresentarla come elemento di arredo urbano, è stata disegnata in base all’orografia del territorio. Il segno grafico che si è scelto di utilizzare cerca di veicolare calma e serenità: sentimenti che si vogliono trasmettere al fruitore del servizio di ricarica poiché propri del risultato di utilizzo della mobilità elettrica.

Per la scelta della palette dei colori sono stati considerati i colori del paesaggio marchigiano e i colori istituzionali del brand. Ciò che con questo progetto di grafica si vuole comunicare è l’unicità dell’esperienza che il fruitore del servizio può vivere in una delle stazioni di ricarica JuicePole distribuite all’interno della città di Recanati.

Sebastiano Carella

Il lavoro di tesi si concentra sulla città di Atene e indaga con un approccio transcalare la riconnessione di frammenti urbani e il progetto delle interfacce tra patrimonio archeologico e città contemporanea. La tesi si concentra in particolare sulla Buffer Zone dell’Acropoli, patrimonio mondiale UNESCO, e sulle sue relazioni con la città contemporanea di Atene.

“… La proposta intende rendere i confini dell’UNESCO uno “spazio aperto” disponibile a connessioni attive e reattive, lavorando su una augmented buffer zone in grado di accelerare e moltiplicare le relazioni fisiche, infrastrutturali e visive tra città archeologica e città contemporanea.” (Gianluigi Mondaini, Maddalena Ferretti, 2024, in corso di pubblicazione). La ricerca si colloca in continuità ed espande ulteriormente il lavoro progettuale svolto dal gruppo di ricerca Hub for Heritage and Habitat (H4HH), Dipartimento di Ingegneria Civile, Edile e Architettura (DICEA) dell’Università Politecnica delle Marche (UNIVPM) che, insieme a studenti selezionati e in collaborazione con il Dipartimento di Architettura dell’Università di Patrasso, ha partecipato alla XX edizione 2022-23 della Call Internazionale lanciata dal Piranesi Prix de Rome. Gli approfondimenti progettuali della tesi di laurea sono stati eseguiti su due transetti urbani posti tra il confine nord ed est della Buffer Zone e la città di Atene.

Il primo approfondimento progettuale riqualifica la stazione della metropolitana di Thissio. L’obiettivo è rendere la stazione un luogo pubblico a servizio della comunità. Vengono introdotte nuove funzioni e spazi pubblici tramite la costruzione di una nuova copertura al di sopra dei binari della stazione. Il progetto lavora sul suolo, creando un nuovo paesaggio. I nuovi volumi sono quasi interamente vetrati e schermati da una pelle in listelli in pietra che garantiscono la trasparenza e il contatto interno-esterno. Le aree verdi creano delle oasi naturali all’interno di uno spazio urbanizzato. Il secondo approfondimento progettuale consiste in un nuovo hub sperimentale di produzione culturale in prossimità del Tempio di Zeus Olimpo e l’intervento nell’immediato intorno del volume vuole riconnettere e valorizzare i frammenti archeologici presenti ad est all’interno di un’unica grande area archeologica. Si genera una nuova rete turistico-culturale mediante un percorso di visita ad anello e l’hub stesso costituisce il principio e il termine del percorso di visita, in quanto consente la sua “tappa zero”, costituita da un centro interpretativo, e la sua tappa conclusiva, sul rooftop, dove un osservatorio apre a una suggestiva visuale verso l’Acropoli. Si prevede, inoltre, l’interramento di un tratto di strada ad alto scorrimento, così da creare un esteso parco urbano completamente pedonale per valorizzarne la fruizione pubblica.

Atene è un monumento a cielo aperto. Racchiusa nella sua archeologia c’è una storia lunga più di tremila anni. Progettare le interfacce tra archeologia e città contemporanea e favorire l’incontro con l’antico da parte dei cittadini è un compito difficile. L’idea di fondo promossa dalla strategia progettuale è stata quindi quella di offrire alla comunità di abitanti il tempo e gli strumenti per riappropriarsi degli spazi limitrofi all’Acropoli, ora oppressi da un turismo di massa. La speranza e la visione è che, proprio a partire dalla trasformazione dello spazio aperto e dal progetto delle nuove architetture pubbliche, si possa innescare un processo positivo a più ampia scala che funzioni da impulso all’innovazione sociale e alla rigenerazione culturale dell’intera città.

“Il progetto muove intorno all’idea di riconnessione, allargando lo sguardo dalla sola area di intervento a una lettura integrata con la città, con le sue evoluzioni e le sue trasformazioni. Atene custodisce un patrimonio ineguagliabile, ma è anche una città dinamica che guarda a uno sviluppo sostenibile. La proposta intende rendere i confini dell’UNESCO uno “spazio aperto” disponibile a connessioni attive e reattive, lavorando su una augmented buffer zone in grado di accelerare e moltiplicare le relazioni fisiche, infrastrutturali e visive tra città archeologica e città contemporanea. A livello urbano questo si traduce nella dimensione dell’arcipelago, che necessita di diventare un sistema interrelato rivolto alla migliore fruizione delle grandi risorse della città. In tal senso il progetto lavora da un lato in continuità con i piani per la creazione di un’unica area archeologica, dall’altro sulle interfacce di questa con la città, potenziando gli accessi alla buffer zone e garantendo così una relazione osmotica tra archeologia e contemporaneità.” Piranesi Prix de Rome et d’Athènes.
Progetti per l’Acropoli di Atene, Accademia Adrianea Edizioni, 2024, p. 437.

Dal 1990 ad oggi abbiamo realizzato molte esposizioni nelle Marche, senza mai dimenticare che questo particolare tipo di progettazione ha come principale finalità quella della costruzione di un sistema comunicativo che permetta ai visitatori di avere la maggior comprensione possibile dei contenuti e dei materiali esposti. Con il Museo Beniamino Gigli a Recanati la nostra modalità di affrontare la progettazione dei percorsi espositivi è però cambiata per sempre. L’incarico per il riallestimento del Museo, finanziato con i fondi PNRR per l’abbattimento delle barriere fisiche, cognitive e sensoriali, non poteva che rimettere profondamente in discussione una progettazione museografica, rivolta per consuetudine alla percezione visiva come unico strumento di coinvolgimento emotivo del pubblico.

La questione dell’accessibilità è diventata per noi un elemento imprescindibile e questo significa che non sarà più possibile considerare percorsi paralleli per utenti che hanno disabilità sensoriali, ma che occorrerà organizzare le esposizioni considerando sempre un unico percorso, fruibile da tutti, “for all”! Il precedente allestimento del Museo era costituito da una ricchissima ma caotica raccolta di cimeli e costumi di scena del grande tenore recanatese ed era rivolto quasi esclusivamente agli appassionati, senza quindi un preciso percorso cronologico e con un apparato comunicativo quasi assente. Per riorganizzare il Museo abbiamo riscritto un testo narrativo intorno alla figura di Gigli, la sua storia, la sua vita, i successi e il suo profondo legame con Recanati. Le tappe della sua carriera sono state riorganizzate in senso cronologico, introducendo dispositivi audio e video che permettessero di suscitare l’interesse per la figura di Gigli a un pubblico molto più ampio, e non soltanto ai soli conoscitori e appassionati. L’apparato di commento agli oggetti, sul modello dei musei della Smithsonian Institution, è stato progettato con elementi collocati rigorosamente all’esterno delle vetrine, con un sistema di didascalie che comprendono un link QR code per l’ascolto delle registrazioni originali di Gigli e, per i non vedenti, l’uso di una audio-pen che aggiunge alla lettura della didascalia una descrizione del costume di scena e segue con l’ascolto dell’aria d’opera che Gigli cantò con quel costume.

I costumi di scena… ora cantano! I testi a parete di ciascuna sala sono stati resi accessibili con l’ascolto del testo registrato su audio-pen, con punti sensibili stampati in UV su pannelli tattili che descrivono anche la disposizione del percorso nella sala. Una particolare illuminazione è stata studiata per la piena visibilità delle didascalie anche da parte di ipovedenti. Tutti i video presenti nelle sette sale del museo sono sottotitolati in italiano e inglese per non udenti. La complessità dell’apparato didascalico ha richiesto un grande lavoro di coordinamento considerato che per ogni descrizione sono stati coinvolti, dall’ideazione fino alla realizzazione finale, ben nove soggetti diversi. La fortuna di questo progetto è stata che, se pur sottoposto alla disciplina del Codice degli Appalti, ha avuto la possibilità di avere non un unico soggetto esecutore ma una numerosa serie di artigiani, tecnici e professionisti, tutti coinvolti nella realizzazione dell’allestimento, che ha avuto inizio con il progetto ma che è arrivato a compimento solo attraverso un lavoro di squadra, in cui tutti sono stati coinvolti e parte del risultato.

Piazza Diaz è parte integrante del paesaggio urbano del quartiere di Campo Parignano ad Ascoli Piceno, ritagliata in un arcipelago fatto di villini liberty, edifici razionalisti ed emergenze storiche. La piazza, in realtà baricentrica, appare paradossalmente come periferica perché ingabbiata all’interno di un disegno urbanistico primo novecentesco, basato su assi di accesso a 45 gradi rispetto alla matrice principale ortogonale. Questa condizione di “retro urbano” è stata nel tempo aggravata da una zona giochi in cemento e recintata, posizionata a sigillare l’unico sfogo a est, verso via Pasubio e il complesso dei SS. Pietro e Paolo. Del disegno degli anni Cinquanta restano memorie nella fontana circolare, oggi adibita a seduta, e nei dodici tigli posti ai quattro angoli dello spazio verde. Il prospetto della Casa del Mutilato (Cesare Bazzani, 1930) è l’elemento di pregio della piazza. Il progetto nasce da tre idee forti basate rispettivamente sul ruolo urbano della piazza nel quartiere, sull’identità storica del luogo e sull’etica del riciclo.

La prima strategia si traduce nella volontà di connettere, sia fisicamente che percettivamente, Piazza Diaz al sagrato della chiesa dei SS. Pietro e Paolo attraverso via Pasubio. Il progetto architettonico risente di questa impostazione urbana, basando le scelte progettuali sulla demolizione dell’area giochi recintata a est e sull’evidenziazione dell’asse portante di via Pasubio,che Piazza Diaz introietta attraverso una fascia pedonale bianca in calcestruzzo architettonico effetto “sasso lavato”. Questa direttrice sottolinea e sancisce l’unione delle due parti della piazza, prima divise da una strada anulare oggi non più utile
al suo scopo. Il risultato è un ambiente unico e continuo, che moltiplica lo spazio e integra la zona verde centrale con il sistema dei marciapiedi che si dirama nella città.

Il secondo spunto affonda le sue radici nella storia e nell’identità del quartiere, legata da un lato ai ritrovamenti piceni (a Campo Parignano sorgeva la necropoli ascolana) e dall’altro ai residui formali della piazza del dopoguerra basata su geometrie concentriche. Il nuovo progetto unisce queste due storie, diventando un vero e proprio viaggio nel tempo
e nell’iconologia, fatta di elementi circolari ricorrenti. Ogni spazio funzionale della piazza nasce dalla reinterpretazione formale di monili e reperti piceni conservati al Museo Archeologico Statale di Ascoli Piceno. L’anello rosso e giallo dei giochi dei bambini prende spunto dall’anellone a sei nodi “tipo Cupra”, l’arena centrale ricavata nell’antica fontana ricalca un collier con capi a pigna in bronzo, i due cerchi del relax nascono dalla scissione di una fibula a occhiali, la trama del campetto circolare gioca sul motivo geometrico inciso che decora una fibula a disco.

La terza volontà è quella di riutilizzare quanto più possibile l’esistente: alberi e zone verdi, panchine, cestini, giochi, impianti di illuminazione e videosorveglianza, fontanella, rastrelliere per bici e cordoli. La tabula rasa è un errore economico ed etico, tanto più quando si deve bilanciare da un lato un budget circoscritto e dall’altro le aspettative e i desideri di un intero quartiere. Questo concetto esteso di sostenibilità si esplicita in primo luogo nel giocare con ciò che si ha a disposizione in loco, eredità dei precedenti progetti di riqualificazione della piazza, e fare con esso di necessità virtù. Un esempio su tutti:
la piattaforma di calcestruzzo nell’area recintata è stata riutilizzata in gran parte come sottofondo della nuova pavimentazione.

Infine i colori (rosso, giallo, azzurro, verde, bianco, grigio, marrone), i materiali (gomma, cemento drenante, pietra, pavimenti al quarzo, legno) e le specie arbustive di nuovo impianto (mirto, viburno, rosmarino, lentisco, Callistemon, Pyracantha, lavanda) giocano un ruolo fondamentale nella caratterizzazione degli spazi e delle funzioni. L’anello rosso segnala l’area dei più piccoli, bordata dal percorso giallo più esterno. L’azzurro definisce il playground per giocare con la palla, con porta da calcetto e canestro da basket. I colori terrosi ospitano spazi relax, uno piccolo e uno grande, che vanno ad occupare i due triangoli di tigli a nord, molto usati come luogo di sosta dalle persone anziane. Il quadrato grigio-verde della palestra all’aperto si avvale di un muretto-panca e dell’ombra del Pino d’Aleppo. L’area coperta dalla pergola in acciaio e doghe in legno è pavimentata in cemento spazzolato. Ogni settore è ben delineato. Ognuno ha il suo spazio, ma tutti gravitano e si mescolano nel grande spazio di condivisione: la fascia bianca che si prolunga verso est e determina, grazie anche alla disposizione dei tre lecci centrali, l’asse d’ingresso più scenografico e solenne.

“Interno Marche” è un nuovo hotel che al contempo è un omaggio al motore vibrante della città di Tolentino, ovvero la sua vocazione produttiva che qui si è espressa nella manifattura artigianale in pellame per prodotti di lusso.

Tolentino è infatti una delle poche realtà marchigiane, protagonista di un grande sviluppo delle attività produttive dall’Unità d’Italia a oggi. Nel 2012 ha confermato il suo status di città del design grazie anche all’istituzione del Museo d’impresa “Poltrone Frau Museum”, opera di Michele De Lucchi, così come il Politeama, edificio polifunzionale a pochi passi dall’hotel che vive tutto l’anno offrendo sale per cinema, teatro, concerti, sala prove, bar caffetteria e sala riunioni – nato in origine come centro dopo lavoro per i dipendenti di Nazareno Gabrielli. Carlo De Mattia, che lavora per la Fondazione Design Terrae creata da Moschini e da giovane ha lavorato per un periodo da De Lucchi a Milano, ha coordinato il tutto e dice “volevamo raccontare in modo nuovo questo territorio a un pubblico più vasto possibile, donando una maggiore offerta di accoglienza turistica”.

L’hotel e il museo si devono alla regìa di un lungimirante industriale, Franco Moschini che dal 1962, anno in cui la sede della Frau fu trasferita da Torino, dov’era nata nel 1912, a Tolentino e poi con il Gruppo Frau che comprendeva altre aziende come Cassina, Cappellini, Gufram, Zanotta, Gebrueder Thonet Vienna, Tecno, ha reso questa piccola città un riferimento internazionale del design. L’operosità marchigiana e la guida dell’imprenditore Moschini fondano anche il concetto di ospitalità di Interno Marche. Quello che viene offerto al viaggiatore o all’ospite è il soggiorno in un’architettura industriale di origine tardo Liberty, ingentilita anche dalla presenza nello stesso corpo strutturale della residenza del proprietario che fa sfoggio insieme ad altre villette Liberty in un viale appena fuori le mura, ispirato ai grandi boulevard parigini. Questa costruzione del 1920, progettata dell’architetto Stefano Gentiloni Silverj, era il primo stabilimento della ditta Nazareno Gabrielli, all’epoca nota per le manifatture artigianali realizzate da dipendenti in larga maggioranza donne e perciò chiamate “gabrielline”. Ciò che rende unica l’ospitalità di Interno Marche è l’esperienza immersiva nel mondo del design internazionale vissuta soprattutto negli spazi delle camere dell’hotel: ognuna è associata a un designer che nel corso del tempo ha collaborato con il gruppo Frau.

Le camere sono venticinque più altre cinque suite per soggiorni lunghi. Tutte sono arredate con oggetti iconici prodotti dalle società di Moschini, oltre quattrocento. Tra questi Gio Ponti che per Frau disegnò una poltrona per albergo, Giulio Cappellini,
Achille Castiglioni, Pierluigi Cerri, Marco Zanuso, Massimo Vignelli, Jean Marie Massaud, ecc.
C’è anche un designer marchigiano, Luigi Massoni, autore di un bizzarro letto rotondo. Ognuno ha una storia diversa: Gae Aulenti ad esempio ha lavorato per Moschini ristrutturando la sua casa di campagna, oltre che su alcune sedie e fra l’altro ha appena aperto una grande mostra retrospettiva su di lei alla Triennale di Milano. In Italia ci sono già molti hotel di tipo esperienziale, legati cioè alla possibilità di passare una notte in una camera diversa da tutte le altre: ci sono infatti hotel legati al vino, alla musica o, in numero maggiore, all’arte: in ogni camera c’è un’opera diversa e spesso site specific. Interno Marche invece è il primo hotel dedicato al design in Italia progettato da un team di giovani architetti locali, ORAstudio, con la collaborazione di Cristiana Antonini. Nelle camere è presente un qr code che racconta la storia della collaborazione con Frau utilizzando il materiale d’archivio del museo aziendale come le fotografie dei designer all’opera con i tecnici nella sede di Tolentino, dei prototipi, degli schizzi e disegni esecutivi, del materiale di comunicazione.

Ci sono le suite per lunghi soggiorni dedicate non ad un singolo autore, ma a interi movimenti come la Bauhaus, il Secessionismo viennese, il design radicale, inoltre ce n’è una che per diretta volontà di Moschini è arredata con soli pezzi di Gebrueder Thonet Vienna, ’unica azienda del ex Gruppo Frau, di cui è attualmente proprietario.

Imprenditore, viaggiatore nel mondo, fine conoscitore dei grandi architetti del Novecento, Eric Merlin un giorno è capitato alla Gola del Furlo. E qui si è fermato.
La gola rupestre di antica e nobile storia, dal paesaggio di stupefacente bellezza solcato dal nastro verde del Candigliano, lo ha colpito per l’unicità dell’ambiente, la ricchezza vegetazionale delle piante abitate da comunità di uccelli tra cui, emblema del posto, l’Aquila reale che qui nidifica da tempi storici. Questo era il luogo dove desiderava vivere non in solitaria permanenza, ma condividendo l’eccezionale carattere dell’ambiente.
Aveva scoperto cosa significa avvicinarsi alla diversità con stupore, la frase conclusiva dell’elenco dei primi requisiti del Terzo paesaggio indicati dal paesaggista Gilles Clément.

Il Terzo paesaggio è ciò che rimane come residuo dall’abbandono di un terreno, di un’area antropizzata precedente sfruttata, e spesso alterata dall’intervento dell’uomo “con effetti ecologicamente nefasti”. Uno spazio residuale che si trasforma nel tempo in rifugio per la biodiversità e può diventare ricchezza. Per Merlin, una ricchezza collettiva da proteggere, rivalutare, rendere vivibile con attenzione e cura senza alterarne i caratteri originari. E così si è fatto progettista del recupero di una postazione in cemento armato della Guardia Forestale risalente al 1954, in abbandono da anni, rimasta appesa sulla parete del monte Pietralata a strapiombo sul fiume, ed ora abbracciata da una fitta foresta. Un’impresa guidata dall’obiettivo di ristrutturare e modernizzare l’edificio senza perdere l’essenziale: la bellezza del contesto, l’anima del luogo. Così è nata La Forestale Luxury Eco-Lodge. Un resort dove il lusso indicato nel nome non esprime uno status di ricchezza e di prestigio, ma l’offerta di vivere e assaporare una “esperienza diversa, di meraviglia e condivisione dei valori del progetto. Per riacquistare la felicità dei piaceri semplici… e magari riscoprire il significato della vita.”