Lo sguardo di Marzia

Marzia apparecchiava le sue creazioni con uno sguardo dolcemente ironico dove il calembour visivo, alla base di molti scatti, crea un immediato interesse nello spettatore. I suoi interventi manuali giocano su soggetti vegetali – piante, fiori, frutti – e piccoli animali che interagiscono tra loro in un gioco dell’assurdo che assume tuttavia la piena veridicità dello sguardo artistico. Tutto questo è esplicito, immediatamente dichiarato, spesso con ironia, nei titoli dei soggetti.

Nella nostra selezione Flower Sardine ritrae un sandwich ripieno di una florida peonia sormontato da una spaesata e preoccupata sardina, mentre gli oggetti di contorno perfettamente distanziati tra loro, certificano l’attendibilità della composizione. Flowers Fruit propone rigidi steli di garofani dai colori impossibili innestati nel cuore di rosseggianti melagrane. In Food Puglia tre mandarini sono ritratti dall’alto, sorretti da calici in cristallo che proiettano una straniante ombra dell’insieme. La ricerca della luce e delle ombre compare con veridicità e una propria autorevolezza. Mandarini, limoni, mele, posti equidistanti tra loro su una superficie piatta in Fruit Arrangment, sono colpiti da una forte luce laterale che provoca una densa ombra nera dei singoli volumi. Uno scatto solare, dove il soggetto è la geometrica disposizione degli elementi ritratti nella loro nuda verità.

Il gusto della contaminazione ritorna in Honey Fruit dove l’artista “sporca” due boccioli di rosa appena aperti alla luce, infilzandoli letteralmente in due pere mature e inondandoli di colante fluido incolore. Ma questi innesti, queste violazioni inferte con determinazione su materie naturali perché tutto si tenga sul palcoscenico dell’arte, non comunicano mai reale violenza perché l’aurea composizione, i colori caldi o freddi in relazione di affinità o di felice contrasto con i soggetti ritratti, sono i cardini di queste opere effimere a cui l’artista-fotografa ha donato un’anima e con essa una lunga vita.

La mostra romana

L’esposizione Mario Giacomelli. Il fotografo e l’artista, allestita al Palazzo delle Esposizioni (maggio-agosto 2025), si concentra proprio su questa dimensione pittorica e materica del suo lavoro. La sezione dedicata all’astrazione e alla materia mette in dialogo le sue fotografie con l’opera di artisti come Afro e Burri, suggerendo affinità profonde. Le serie esposte – tra cui Motivo suggerito dal taglio dell’albero, Territorio del linguaggio, Bando – mostrano una fotografia intesa come superficie di scrittura, come campo di intervento creativo. Lo stesso Giacomelli dichiarava di sentirsi più vicino all’informale e all’astratto che non alla fotografia documentaria, e il suo lavoro con i contrasti, le texture e le sovrapposizioni conferma questa vocazione. Il dialogo con Jannis Kounellis approfondisce ulteriormente questa linea: entrambi operano in bilico tra materia e immagine, tra rappresentazione e trasformazione.

Le serie Lourdes, Mattatoio e Verrà la morte e avrà i tuoi occhi partono da situazioni fortemente drammatiche – la malattia, il dolore, la morte – ma non si fermano al documento: diventano elaborazioni simboliche, visioni spirituali in cui la realtà viene trascesa attraverso l’arte. Anche l’errore, l’imprevisto, la deformazione diventano per Giacomelli strumenti espressivi consapevoli, mezzi per portare la fotografia verso una dimensione più profonda, quasi metafisica. Fulcro della mostra romana è la serie Io non ho mani che mi accarezzino il volto, presentata nella sua integrità in un’installazione immersiva. I giovani seminaristi ritratti da Giacomelli si muovono tra sacro e profano, tra gioco e ritualità, in una coreografia di gesti che trascende la scena quotidiana. È una delle sue opere più celebri e più liriche, capace di fondere immagine, parola e corpo in un’unica espressione performativa. La parte conclusiva dell’esposizione si apre al paesaggio, non più come semplice sfondo ma come protagonista. In dialogo con Enzo Cucchi, Giacomelli esplora uno spazio mentale e simbolico, fatto di materia, memoria e radicamento. Le immagini di Metamorfosi della terra, Presa di coscienza sulla natura e Per poesie mostrano un paesaggio trasfigurato, dove l’uomo si fonde con la terra, con il legno, con i segni lasciati dal tempo e dalla vita.

La mostra milanese

La mostra Mario Giacomelli. Il fotografo e il poeta (Palazzo Reale, maggio-settembre 2025) affronta l’altra grande direttrice della sua ricerca: quella del rapporto con la parola poetica. La fotografia, in questa prospettiva, diventa un linguaggio lirico, una forma di scrittura che racconta il mondo attraverso simboli, evocazioni e frammenti di memoria. Se negli anni Cinquanta e Sessanta l’opera di Giacomelli è legata a contesti precisi – ospizi, campagne, seminari – a partire dagli anni Ottanta il suo lavoro si fa sempre più onirico, frammentario, sospeso. Le immagini non nascono più da progetti strutturati ma da un archivio personale, da una raccolta di fotografie conservate in scatole intitolate “per poesie”, da cui l’artista attinge liberamente per costruire nuove narrazioni visive. In queste serie più tarde, il tempo e lo spazio perdono coerenza lineare e diventano territori poetici da esplorare. Ogni scatto è un simbolo, una vibrazione emotiva, una riflessione sull’umano. Ne sono esempio le serie ispirate a Leopardi (L’Infinito), Corazzini (Bando), Edgar Lee Masters (Spoon River) e Montale (Felicità raggiunta, si cammina), che fondono parola e immagine in un canto visivo di grande intensità. L’incontro con Francesco Permunian rappresenta un caso unico di dialogo diretto tra Giacomelli e un poeta vivente: le serie Ho la testa piena, mamma e Il teatro della neve sono frutto di un confronto creativo profondo, un racconto condiviso sull’elaborazione del lutto e la potenza trasfigurante dell’arte. Entrambe le mostre si chiudono con spazi immersivi che restituiscono la voce di Giacomelli, intrecciata alle sue immagini. L’esposizione della sua camera oscura e dei suoi strumenti di lavoro restituisce infine la dimensione artigianale e quotidiana di una pratica che ha saputo trasformare l’umiltà della materia in una delle esperienze più alte e toccanti della fotografia contemporanea.

Bartolomeo Pietromarchi

L’Archivio Mario Giacomelli

Nel centenario della nascita di questo grande artista di cui si ha la meravigliosa responsabilità di proteggere, conservare e valorizzare, l’Archivio Mario Giacomelli ha voluto restituire, con un grande progetto espositivo ed editoriale, la complessità del suo operato creativo la cui originalità ha ridefinito i confini del linguaggio fotografico. L’archivio ha voluto altresì restituire, attraverso l’allestimento delle mostre e la struttura del libro, la personalità di un uomo che non ha mai smesso di cercare il modo di esprimere la vastità della dimensione umana. Palazzo delle Esposizioni di Roma e Palazzo Reale di Milano ospitano due grandi mostre diverse tra loro (per tema e allestimento) e complementari, a offrire uno sguardo completo sulla fotografia di Mario Giacomelli. Dopo anni di ricerca sulla sua opera e sui materiali documentari conservati in archivio, il progetto finalmente ha preso forma grazie alla preziosissima sinergia tra l’Archivio Mario Giacomelli e Bartolomeo Pietromarchi, che con la sottoscritta è co-curatore delle due mostre.

La fotografia come racconto

Nel pensare a un allestimento che potesse essere fedele alla visione dell’arte e della vita di Giacomelli e che potesse mettere in scena tutta la sua forza espressiva, da curatori il nostro primo quesito è stato: come presentare un artista che usava la fotografia mettendo in crisi le regole stesse della fotografia? e che diceva “Io non sono un fotografo, non so farlo, sono solo uno che cerca godimenti”, “la fotografia è lo specchio della mia interiorità”, “io non fotografo le cose, ma le energie che passano tra il mondo e la mia anima”.

Con estrema attenzione filologica nello sviluppo del progetto, siamo partiti dal fulcro della sua visione: il suo considerare il corpus fotografico come Unità, per cui le singole fotografie risultano interconnesse tra loro come parte di un tutto, frammenti vividi di un sistema organico in continua revisione. Questo ci ha spinti a considerare un allestimento che mettesse in scena questa unità e che riproducesse la concezione di una “fotografia come racconto”: il percorso non segue necessariamente un ordine cronologico o una netta divisione in serie, ma procede per assonanze, corrispondenze, innesti, facendo risuonare la portata informale, performativa e onirica della produzione giacomelliana. Ogni elemento di questo tutto è specchio dell’interiorità del fotografo, che considera la sua arte come occasione di presa di coscienza, di vera presenza, e fotografa un mondo che prende forma dallo sguardo di chi lo guarda. Per questo dice “le mie fotografie non vanno capite ma interpretate”, chiedendo allo spettatore di fare altrettanto, richiedendo partecipazione, per accogliere in sé, sia fotografo che spettatore, lo spettacolo dell’epifania di una realtà vissuta dal di dentro.

L’Archivio gioca un ruolo essenziale nella restituzione critica di un autore la cui eredità è ancora oggi materia viva di ricerca e ispirazione, permettendo alle generazioni presenti e future di avvicinarsi a Giacomelli non solo come a un grande fotografo ma come a un artista che ha saputo parlare al cuore del novecento e oltre. L’augurio è di innescare nuove letture e nuove interpretazioni, come avrebbe voluto Mario Giacomelli.

Katiuscia Biondi Giacomelli

“Passeggeri” traccia un percorso popolato da speciali compagni di viaggio: l’Associazione culturale Sandro Paradisi, la Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, la libreria Gira e Volta, la Confartigianato Imprese Ancona-Pesaro e Urbino, KAR movimenti creativi, l’agenzia milanese LUZ, il Comune di Jesi e la Scuola di Studi Superiori Giacomo Leopardi dell’Ateneo di Macerata, una scuola d’eccellenza che nasce per coltivare il talento e le qualità dei migliori neo-diplomati attraverso un percorso di alta formazione dal carattere innovativo, interdisciplinare e internazionale. Oltre agli studenti di Macerata, hanno partecipato anche quelli della rete delle Scuole di Studi Superiori, studentesse e studenti arrivati da tutta Italia.

La seconda edizione di ACCA Fotografia è stata un vero e proprio viaggio, iniziato da una suggestione nata in libreria di fronte a una collana di dorsi colorati e nomi di luoghi più o meno lontani, più o meno esotici. Ogni laboratorio ha offerto una prospettiva unica e stimolante, dove ogni partecipante ha potuto esprimere la propria visione. È stato un incontro di menti, saperi e passioni inedite per il nostro territorio. Abbiamo condiviso incontri, lezioni ma anche passeggiate, pranzi e cene, ed è proprio lì che ci siamo conosciuti meglio e ci siamo scambiati le migliori informazioni. Oggi stiamo lavorando a nuove mete, il viaggio continua.

Francesca Tilio Direzione artistica e coordinamento ACCA Fotografia

Alcune testimonianze dei partecipanti, studentesse e studenti della rete ASSI, Alleanza delle Scuole Superiori d’Ateneo italiane.

Marco Moro

Mi sono approcciato ai workshop per interesse e curiosità per il mondo dell’editoria, e in questo i laboratori hanno decisamente soddisfatto le mie aspettative, mostrando ognuno una fase particolare del complesso e lungo processo che sta alla base della realizzazione di un prodotto editoriale come The Passenger. Un importante valore aggiunto dei workshop è consistito nel contatto e nelle relazioni che si sono venute a creare sia tra gli studenti – provenienti e non da Scuole Superiori Universitarie – che con i docenti e gli organizzatori. La città di Jesi è stata una piacevole scoperta. Non solo per la bellezza dei suoi selciati, delle sue case, del grandissimo edificio del circolo cittadino che ha ospitato le nostre cene, ma anche per la sua vitalità sorprendente, che si incarna in persone come Francesca, l’ideatrice e coordinatrice dei workshop, o Francesco, proprietario di una bellissima e interessantissima libreria di proposta nel centro della città.

Lucia Copparoni

Per noi studenti delle Scuole di Studi Superiori italiane, provenienti da diverse realtà, il workshop è stato un’occasione unica di apprendimento e condivisione: abbiamo avuto modo di lavorare insieme in gruppi, scoprendo non solo il valore del lavoro collettivo, ma anche delle passioni condivise, trasformando conoscenze in amicizie. Un’esperienza che ci ha arricchito, lasciandoci con la consapevolezza che il vero valore di un progetto editoriale sta nella passione e nel lavoro di squadra.

Rebecca Brinato

Passiamo tutto il tempo a cercare la nostra voce. Siamo ossessionati dalla ricerca della nostra voce. Ciò che più conta è dire le cose, facendo capire a tutti che le abbiamo scritte noi. Il percorso è stato un esercizio per trovare la propria voce dando spazio a quella degli altri. Insieme, lavorando in gruppi, abbiamo sempre cercato di capire i modi giusti per lasciare la parola a chi più aveva cose da dire, a chi meglio sapeva raccontare. È stato un esercizio di periferie, ci siamo messi ai margini per guardare meglio le cose al centro. Forse è proprio questa la ricchezza del lavoro in redazione, il sapersi mettere ai margini, alla periferia, impegnandosi collettivamente a mettere in luce le altre anime che popolano e animano la rivista. È stata una piccola fucina di redazione, un percorso che ci ha appassionati e ci ha regalato uno spaccato di futuro che forse, potrebbe appartenerci.

Riccardo Fabbri

Quante volte, entrando in una libreria, circondati da piccoli mattoni di carta e parole, come la casa editrice Iperborea ci insegna, abbiamo desiderato poter sbirciare attraverso le copertine e le pagine, conoscere il lavoro che dà a pensieri e idee la veste di libri che poi ci troviamo, attirato dalla possibilità di comprendere un mestiere, quello di editore, o per meglio dire un processo, perché di mestieri coinvolti ve ne sono tanti e diversi, dei quali avevo sempre goduto solamente i risultati, senza mai conoscerne le parti.

Benedetta Rucci

Tre parole per descrivere Passeggeri: immersione, evasione e condivisione. Dalla scrittura alla fotografia documentaria, dalla grafica all’illustrazione, grazie a questo laboratorio abbiamo avuto l’opportunità di scoprire il lavoro complesso e stratificato che c’è dietro un prodotto editoriale di grande qualità come The Passenger. Il tutto nella cornice della splendida città di Jesi. È stato un po’ come spalancare una finestra e far entrare aria fresca tra i pensieri e le idee.

Massimo Cotto

L’iconica voce del giornalista e dj radiofonico di Virgin Radio, mette le sue parole al servizio di quei grandiosi concerti esibiti attraverso le opere fotografiche di Henry Ruggeri: una raccolta di memorabilia dei più grandi protagonisti della scena musicale rock internazionale ritratti in singole performance. Ne nasce il racconto orale dei protagonisti che si fanno presenza viva in assenza di relazione materiale dello spettatore con l’immagine. Tutto questo grazie alla tecnologia Not Away che per la prima volta viene utilizzata su immagini fotografiche legate alla musica.

“Henry Ruggeri è l’ombra oltre la luce,
un piccolo miracolo.
C’è chi celebra il rito collettivo del live
o l’intimità assoluta del ritratto,
ma nessuno ha mai unito i due lati.

Henry estrae l’artista dal suo contesto,
lo cattura sul palco ma lo isola da tutto.
Fa emergere la sua meravigliosa solitudine,
perché l’artista è solo anche davanti
a migliaia di persone.

Henry Ruggeri fissa quel momento in cui il rumore
assordante e la confusione accecante
diventano silenzio e pace, ma solo per l’artista
e per chi parla la sua stessa lingua, mentre il pubblico
si immerge felice nell’estasi del rock”
MC

Presenze mute, fuori del tempo

“Io sono una forza del Passato” P.P.P Si può leggere in un volto tutta quanta una vita, come fosse un palinsesto percorso da rughe dove il tempo si è inciso e l’inchiostro è sbiadito lasciando nudi i solchi, pari ad arcaiche cicatrici. Sembrano esseri antichissimi i contadini che Lorenzo Cicconi Massi iscrive nel suo campo fotografico rispettandone la presenza muta, oramai fuori del tempo o senza tempo, e accettandone quella postura frontale e ieratica che li scolpisce e, al presente, ne fa quasi dei totem. Mezzo secolo fa Pier Paolo Pasolini aveva gridato, nella generale distrazione o nel compatimento, che restavano al mondo i testimoni estremi di una millenaria civiltà, quella agricolo-pastorale, che il neocapitalismo stava tuttavia cancellando nella forma di un silenzioso genocidio e per il tramite di ciò che pure fu detta la produzione di merci a mezzo di merci. Cicconi Massi è a sua volta testimone di esistenze divenute vetuste e oramai dislocate sulla frontiera.

Il volto, i volti. Sembrano appartenere a individui del tutto laconici al popolo degli individui muti che passano sulla terra (e sono la stragrande maggioranza degli esseri umani) senza lasciare traccia riconoscibile o memorabile di sé. Proprio il tempo che li segna per spegnerli li rende anche iperespressivi, il loro silenzio in effetti parla e si propaga in profonde risonanze. E sono volti via via immobilizzati, reificati, perfettamente acclimatati nel contesto nativo e cioè nelle aie desolate, nei muri sbreccati, nelle ragnatele ataviche e rampicanti sui muri che la memoria postmoderna assimila a un Burri senza più cogliere l’esito del tempo lasciato a sé medesimo e al suo scorrere nella generale indifferenza. Così è di quegli interni improbabili e persino fortuiti se traguardati all’oggi: le camere da letto e i tinelli anni cinquanta, le madonnine del Sassoferrato in capo ai letti e poi i berretti, i cappelli di paglia, i vestiti che il tempo ha resi informi, simili a fasciature o a pròtesi della vita quotidiana. Quando Mario Giacomelli, uno dei grandi maestri di Cicconi Massi, oltre mezzo secolo fa fotografava i contadini per il ciclo de La buona terra, costoro potevano ancora esibire o anzi ostentare i cosiddetti panni della festa, perché la festa esisteva, complementare al giorno di lavoro: gli ultimi contadini no, i loro panni terminali non hanno distinzione e sono indistinguibili dai corpi che li indossano, perché il mondo è pensabile soltanto come un mondo di giorni feriali, di giornate in circolo dall’alba al tramonto dove la notte non sembra esistere se non quale attesa e pura incombenza. La notte nel mondo degli ultimi contadini, evidentemente, è indicibile e troppo facilmente il sonno si assimila alla morte per farne un caso o un problema: la morte fa parte dell’ordine naturale delle cose, è aspettata con dignità imperterrita ma anche con superstizione (la stessa, magari, che a sera induce le galline a salire sull’albero per paura delle volpi).

Ma un residuo conforto appartiene agli ultimi contadini ed è semplicemente la luce del sole, cui si espongono ingenui, indifesi, quasi obbedissero a un rituale. (Qui la luce a picco si incide nelle foto di Cicconi Massi, ne scandisce i neri per contrasto dialettico, li scioglie e li riaggruma quasi fossero reagenti chimici, attivi a vicenda). Nessuno ha gli occhiali, a proteggerli è la tesa del cappello di paglia nella cui ombra si profilano sguardi di straordinaria fissità e intensità che il fotografo inquadra in primissimo piano, per omaggio al cinema di Sergio Leone. Peraltro sono tutti vecchi e non lavorano, semmai del lavoro si immagina, nel loro sguardo melanconico, la nostalgia. Sanno quanto li aspetta. Perciò nel baricentro esatto della sequenza di Cicconi Massi non poteva che esserci l’immagine che in effetti c’è, struggente nella sua limpidezza, quella di un minuscolo cimitero collinare, a Capolavilla di Genga, con poche tombe a terra e croci essenziali di metallo, appena un fiore, come se davvero fosse la Spoon River degli ultimi contadini.

Massimo Raffaeli Chiaravalle, 24 aprile 2024