Nel XVI secolo la pallacorda era uno dei giochi più diffusi nelle corti europee, antenato diretto del tennis moderno. Le palline utilizzate, chiamate balette, erano oggetti artigianali, prodotti localmente con i materiali disponibili. Il rivestimento esterno era spesso realizzato cucendo insieme ritagli di cuoio avanzati dal lavoro dei calzolai, mentre l’interno poteva essere riempito con stracci, lana o crine. Nulla veniva buttato: gli scarti di bottega trovavano una nuova funzione, trasformandosi in strumenti di gioco per nobili e popolani. Il riciclo, in questo contesto, non era una scelta legata a idealità e cambiamenti climatici, ma una necessità economica e pratica, inserita naturalmente nella vita quotidiana. In realtà, il riutilizzo dei materiali accompagna la storia dell’uomo da secoli, soprattutto nei contesti in cui le risorse erano scarse e nulla poteva essere sprecato. Quando si parla di riciclo, spesso si pensa a una pratica tipicamente contemporanea, figlia della sensibilità ambientale e delle moderne politiche di sostenibilità: in realtà, il riutilizzo dei materiali accompagna la storia dell’uomo da secoli. Sono dunque molte le analogie tra le balette usate per la pallacorda, realizzate con scarti di cuoio, e i campi da tennis di oggi costruiti con componenti di riciclo di palline in gomma e feltro. Proprio come accadeva cinquecento anni fa, le palline da tennis trovano oggi una seconda vita. Nel Cinquecento le realizzavano i calzolai, oggi sono le aziende specializzate nel riciclo; allora si recuperava cuoio, oggi gomma e fibre sintetiche. Cambiano i materiali e le tecnologie, ma resta la stessa logica di fondo: trasformare uno scarto in una risorsa. Dalle botteghe ai moderni impianti sportivi, il filo che unisce cuoio, gomma e feltro è lo stesso: dare nuova vita a ciò che sembrava aver esaurito la propria funzione. Le balette di cuoio e i moderni campi realizzati con palline riciclate raccontano entrambi una storia di circolarità, in cui lo sport è competizione e spettacolo, ma anche ingegno e adattamento.

Il Club delle Balette

Le balette di Jesi, Urbino, e Mantova — antiche palline di cuoio utilizzate nel gioco della pallacorda tra Medioevo e Rinascimento — sono state a lungo reperti silenziosi, curiosità museali, citazioni erudite nei testi storici. Insieme a Gianni Clerici, con il suo sguardo capace di unire ironia, rigore e immaginazione, abbiamo lavorato alla trasformazione di questi semplici oggetti in testimoni materiali di una civiltà del gioco, antenate dirette del tennis moderno. Da quell’incontro è nato un impegno di studio e divulgazione, per la ricostruzione del valore storico e simbolico delle balette, con indagini e ricerche per definirne funzione, materiali, luoghi di ritrovamento e contesti sociali in cui venivano utilizzate. Impegno confluito in una ricerca archivistica a cura dello storico dell’arte Marco Droghini e inserita nel volume Pallacorda e non solo, in cui è raccontato il meraviglioso caso di Jesi, giunto anche nelle mani del Santo Padre Leone XIV, grande appassionato di tennis. Le balette sono così diventate una chiave di lettura per raccontare la diffusione della pallacorda nelle corti italiane, nei palazzi signorili, nei chiostri e negli spazi urbani del passato. Il lungo lavoro di ricerca comprende analisi teorica, relazioni attive tra studiosi, collezionisti, università, istituzioni culturali e appassionati di sport. Un networking che ha dato vita a una rete di dialogo tra discipline — storia, archeologia, artigianato, sport e comunicazione culturale — e tra territori. Nel 2019 è stato costituito il Club delle Balette, come desiderava Gianni Clerici che ne resterà Presidente ad Honorem, con la finalità di creare occasioni di socialità e valorizzazione in una dimensione collettiva e progettuale, attraverso mostre, incontri pubblici, conferenze e progetti di divulgazione.

La pallina gialla sul bordo della rete bianca gira sospesa, e il ralenty rende quegli attimi infiniti. Comincia così “Match Point” di Woody Allen, e quella scena del film è la metafora della fortuna, del caso, delle cose che accadono e cambiano. Un attacco memorabile, come quando si chiama il challenge e si utilizza la tecnologia hawk-eye, l’occhio di falco — tempo e spazio si giocano sui micron e le frazioni di secondo. Eh sì, il tennis è lo sport più mentale che esista, un rompicapo, ogni volta un duello con se stessi, un precipizio dopo l’altro, colpo su colpo, tra concretezza e gesto, à bout de souffle. Ogni 15 è definitivo in un perimetro di solitudine senza tempo, in ossequio alle regole auree di questo sport. Psichico ed estetico, con quelle calze bianche impolverate di rosso, e una colonna sonora che rimbomba nella testa quando la pallina trova il suo punto perfetto nel piatto corde — che sia il servizio, lo schiaffo al volo o l’inside out. Insomma quelle palline gialle col solco bianco che separa la gomma dal feltro — un abbraccio che sembra il simbolo dell’infinito — sono molto molto di più di semplici palline.

Prima delle necessità televisive erano bianche, qualche volta gialle, spesso verdi o arancioni — sempre colori fluo. Prima le racchette erano di legno con le corde in budello. Prima le palline si usavano a lungo, oggi un amatore le usa 5/6 ore, un professionista 2 ore, nelle partite ATP 9 game. Prima era prima, oggi il tennis è tra gli sport più amati, con un successo che ha portato la Federazione Italiana Tennis e Padel a contendersi il primato con il calcio. Merito di campioni vincenti, del “Silcaraz”, un neologismo che si studia nelle business school, di un nuovo entusiasmo per uno sport oggettivamente meraviglioso, coperture televisive imponenti, economie e sponsor che sostengono grandi eventi e tornei in tutto il mondo. Fatto sta che le luci di questa ribalta riguardano economie terziarie e manifatturiere, si confrontano con la ricerca e la sostenibilità ambientale, e così le palline diventano componenti tutt’altro che trascurabili in questa storia. Anche perché sono oggetti complessi — diverse in funzione delle superfici e dei marchi — fatte di due componenti, la mescola in gomma pressurizzata — morbida e senza componenti tossiche — e il feltro, in un equilibrio che determina durata, accelerazione, velocità. La loro centralità si intuisce bene quando prima del servizio i giocatori le tengono tra le mani — le toccano, le esaminano, le selezionano. Secondo dati attendibili sono circa 400 milioni le palline che si utilizzano ogni anno nel mondo, che corrispondono a un potenziale di riciclo di 20.000 tonnellate; in Italia la stima parla di 10 milioni per un potenziale di 500 tonnellate.

Assumere una dimensione insieme lirica e beffarda costituisce una chiave interpretativa preziosa per avvicinare la pratica di Enrico David, la cui poetica si colloca in un territorio di oscillazione calibrata tra analisi formale e un’ironia rarefatta, quasi in filigrana mozartiana. Questa postura — nutrita dalle radici del “natio borgo” marchigiano — agisce come una forza di emancipazione percettiva, una spinta a liberarsi dalle costrizioni della visione ordinaria per accedere a un immaginario più poroso, sensualmente stratificato. Come afferma l’artista: “Deriva, disorientamento, delirio. Relazioni messe alla prova. Convivenze forzate, armonie improbabili. Penso al mio lavoro come ad una cosmologia, elementi sviluppati nel tempo nella speranza che diventino una sola cosa. L’idea della segretezza, della diversità, messaggi inseriti nel lavoro, missive. Il corpo è giocare con l’inspiegabile, siamo a capo di un impero che è un mistero. L’arte è dove puoi garantirti il diritto a non spiegare”.

Ancona e il mare Adriatico — definito “mare di servizio” — emergono nel percorso dell’artista come coordinate incarnate, non solo geografiche: luoghi dove sedimentano sensazioni umide, percezioni sfasate, un erotismo sottilmente atmosferico. Qui, lo smarrimento diventa materia viva, una condizione che avvolge e disorienta, restituendo all’identità una vibrazione incerta, quasi liquida. Ad esempio il progetto espositivo al Castello di Rivoli elabora questo ritorno dopo la distanza degli anni Ottanta attraverso una cartografia di presenze sospese, relazioni implicite, tensioni latenti che si manifestano come corpi in transito tra visibilità e dissolvenza. La sospensione del giudizio e la rarefazione semantica diventano così strumenti che permettono alle metafore visive di affiorare in modo tattile, come superfici che si sfiorano senza mai collidere del tutto come in un romanzo di Tondelli.

David ama procedere secondo una logica che sfugge alla linearità temporale, coltivando l’attrito tra opposti sensoriali — luce e ombra, fragilità mentale e densità materiale, attrazione e perturbazione — in una tessitura ritmica e pulsante. Nelle opere, fantasmi, attese e immagini temporalmente scivolate si legano al corpo come a un luogo di risonanza, rivelandone un’essenza che sembra aderire alla materia con una morbidezza intima, quasi epidermica. La complessità dell’oggetto si riduce così a forme essenziali ma intensamente vibrate, capaci di evocare una presenza sospesa, persino respirante. Il riferimento all’oggetto, come ricorda l’artista, è costitutivo del suo metodo: “Il mondo del design e dell’arte applicata ha rappresentato il mio primo punto di accesso alla creatività. La matrice del funzionale, dell’oggetto d’uso o del décor è qualcosa a cui ho fatto ricorso nel tempo in diverse modalità. Al di là del riferimento autobiografico, rispecchia l’idea che queste cose prendano in alcuni casi le sembianze di prototipi per una vita migliore”.

In questo orizzonte, la manualità assume una valenza quasi sensoriale: il disegno diventa un dispositivo generativo che modella e orienta trasformazioni materiche complesse, in cui fibre, superfici e volumi si contaminano come sostanze organiche in lenta fusione. Il tempo esteso della produzione si inscrive nella pelle stessa delle opere, generando un’atmosfera costruita per accumulo, dove ogni snodo formale funziona come una pulsazione, un segnale che contribuisce a un racconto fluido, in continua metamorfosi, capace di insinuarsi nelle pieghe percettive dello spettatore e di riformulare incessantemente la propria presenza.

Avevo pensato di selezionare le foto che qui presento già qualche tempo fa, dopo alcuni anni dagli eventi sismici disastrosi del 26 ottobre 2016, fenomeni che avevano seguìto quelli di agosto e hanno preceduto le scosse fatali di domenica 30 ottobre. Erano trecento anni che il centro Italia non veniva colpito da un evento tettonico di una tale violenza da cambiarne, per sempre e in tutti i sensi, la fisionomia. Le immagini scelte sono state scattate nell’arco di quattordici mesi — senza alcuna velleità — con uno smartphone o, nel migliore dei casi, con una fotocamera amatoriale mentre ero impegnato nel recupero delle opere d’arte dagli edifici con forti danni e nella successiva campagna di realizzazione delle opere provvisionali finalizzate a scongiurare ulteriori crolli alle strutture. Le inquadrature, queste sì, sono attente, ma assolutamente prive di alcuna preparazione di set e scattate con l’immediatezza delle operazioni di sopralluogo e di recupero, sotto il costante controllo dei Vigili del Fuoco, che ci raccomandavano massima prudenza e rapidità di azione.

La fretta di agire in situazioni di pericolo di crollo, con la minaccia di repliche sismiche anche significative, il costante sottofondo di quei sordi boati che si avvertono solo nelle zone vicine alle faglie, mi hanno così regalato istantanee imperfette, un po’ sfocate o mosse, talvolta con entrambi i difetti. Tuttavia ognuna di queste — alcune delle quali avevo scelto con il fondamentale supporto di Alberto Pellegrino per una piccola mostra autogestita negli spazi polivalenti della Pinacoteca «P. Tacchi Venturi» di San Severino Marche — sembra trasmetterci un sentimento vivo e forte. Così aveva sottolineato la scelta lo stesso sociologo, esperto di immagini e di comunicazione: «Tutti questi reperti diventano personaggi di un dramma che non ha più come palcoscenico le ombre e le calde atmosfere delle chiesette di paese. Le Madonne Addolorate volgono gli occhi al cielo tra macerie di strade e relitti di campanili; si affacciano smarrite a ciò che rimane di un simulacro di porta. Eppure, fra tanto squallore, queste Marie (anche quando sono ridotte a pochi detriti appena intelligibili) non dimenticano di essere “Regine del Cielo” e stringono dolcemente fra le braccia il Bambino a voler ricordare di essere sempre una Mater misericordiae pronta ad accogliere la voce del popolo».

Questi simulacri, scendendo forzatamente dagli altari cui sono consacrati, si animano fino a sembrare umani, trasmettendoci le paure, il dolore, la perplessità, lo smarrimento che le persone in carne, ossa, anima, provano in situazioni di criticità. Ecco il perché del titolo, che ho avuto in mente fin dal primo momento in cui ho pensato di raccogliere queste foto, recuperandole dalle decine di cartelle nelle quali rischiavano di perdersi per sempre. Ho davvero il serio timore che ciò accadrà, purtroppo, per la maggior parte delle nostre immagini digitali: queste svaniranno, perché i supporti magnetici saranno nel frattempo deperiti e i formati della memoria diverranno obsoleti e, quindi, illeggibili. Così, paradossalmente, nell’era in cui ognuno di noi ha scattato decine di migliaia di immagini, della propria vita non rimarrà memoria iconografica. Nelle case delle nostre famiglie resteranno i ritratti dipinti degli avi, alcuni pochi scatti dei nonni, solo qualche decina di foto dei genitori e dei primi trenta anni di vita di noi pre-millennials. Poi più nulla. Un preoccupato allarme in questo senso ha lanciato, già qualche anno fa, Vinton Gray Cerf — tra i padri di internet e vice presidente di Google.

Tornando al titolo “Scherza coi fanti e lascia stare i santi”, che ho preso in prestito da uno dei passi più famosi della Tosca, mi auguro che esso non venga ritenuto irriguardoso: l’avevo volutamente scelto per esprimere un contrappunto rispetto a quella malinconia, quel disorientamento e quello stupore che ognuno di quei santi-fanti umanamente sembra volerci trasmettere, per esorcizzare la tragedia che abbiamo vissuto, ora che se ne avvicina il decennale.

Foto sghembe e di bassa qualità, spesso sfocate e mosse, eppure sembrano trasmetterci vivissime emozioni: stupore, paura, straniamento. Un po’ d’ironia, venata di immancabile dolore per quanto abbiamo perso, basteranno a farci esorcizzare tutto questo a dieci anni dal sisma?

Con un po’ di leggerezza — fermo restando l’incolmabile dolore che hanno comportato le gravissime perdite umane e materiali di cui conserveremo per sempre il ricordo — penso che sapremo meglio affrontare il lungo percorso di riabilitazione delle aree colpite da una così grave catastrofe, ora che la ricostruzione materiale sembra aver ingranato la giusta marcia. A patto però che la leggerezza sia riservata al ripensare ciò che ormai è passato e non c’è più possibilità di cambiare, ma che siano d’ora in poi la serietà e l’impegno al massimo livello a progettare un futuro anche per coloro che tenacemente resistono e sono attaccati a queste meravigliose terre appenniniche. Nella presentazione della mostra, così aveva scritto Maria Francesca Alfonsi: «Cristini — come suo carattere — sceglie la serietà ironica e sapiente di “Scherza coi fanti e lascia stare i Santi” anche in quelle immagini che sono lì a ricordarci — con quegli sguardi clementi — che abbiamo poco tempo ancora per non disperdere definitivamente la superba memoria: non solo la grande arte, ma anche la lunghissima pratica democratica, poiché su questi monti nacque anzitempo l’idea d’Europa. Poco tempo contro l’umana indifferenza. E si sa, senza la memoria non si costruisce il futuro».

Il Tuo silenzio è quello delle statue. Noi obliammo il segreto che diceva l’anima loro nuda, rivelata: ed ora il nostro spirito s’addorme polveroso tra polverosi volti. Torna ad essere sorgente, dura pietra, mazza, scalpello, forma che diviene; riporta l’orma tua dentro le vene nostre, sino a quando s’avverta il rombo del Tuo silenzio accompagnare il sangue. Luca Ghiselli (1910-1939)

Un’epopea, quella dell’impresa ceramica Molaroni, ancora viva a quasi 150 anni dall’apertura della fabbrica originaria, che ha creato un segno indelebile e determinante dell’identità ceramica di Pesaro storica e attuale. Lo ha dimostrato dal 16 novembre 2025 al 10 gennaio 2026, la mostra “Molaroni, il gesto fedele” allestita nella rinnovata Casa Bucci — ex storica sede dell’atelier del ceramista Franco Bucci (1933-2002), figura di spicco che con Nanni Valentini (1932-1985) aprì alla modernità del design degli anni ’60-70 la produzione della ceramica d’uso e alla sua diffusione nel mercato europeo ed extraeuropeo. Viviana Bucci, curatrice della mostra, ha messo in luce nella diversità di tempi, materiali, stili, varie connessioni con le due imprese ceramiche pesaresi. Il “Laboratorio Pesaro”, fondato nel 1961 da Franco Bucci con Nanni Valentini, Filippo Doppioni e Roberto Pieracini, aveva sede in una parte degli spazi della stessa manifattura Molaroni, in via Luca Della Robbia: questa fucina di giovani artigiani, artisti, sperimentatori vi rimase fino al 1996, testando in prime sperimentali cotture in forno a legna la produzione di oggetti realizzati in nuovi materiali ceramici come il grès e il refrattario, arricchendo di nuova linfa la storica ceramica pesarese.

Una connessione filosofico-produttiva tra le due manifatture è l’aver portato bellezza nelle case dei pesaresi mantenendo alta la qualità dell’artigianato ceramico introducendo nel mercato un prodotto che “parlasse” di cura, di tradizione e innovazione insieme. Un proposito che è stato ampiamente apprezzato, come dimostra la longevità delle due manifatture accomunate dalla “fama” di qualità e dall’appartenenza al territorio, che ora è stato raccolto dai giovani eredi delle due imprese.

Un tempo era funzionale a certe esperienze trekking, escursioni, condizioni atmosferiche variabili — oppure era legata alla gruppetta — lunch della mobilità ante litteram, e anche la sua forma era sostanzialmente standardizzata in alcune tipologie classiche. Oggi è un oggetto irrinunciabile, soprattutto per il messaggio che contiene e l’appartenenza che trasmette. La borraccia è corretta e sostenibile rispetto alla bottiglietta in plastica che inquina; è creativa, qualche volta è d’autore, spesso è ton sur ton; è un gadget che crea appartenenza. Oggi è tra gli oggetti più densi di significato, un dispositivo di dialogo, un accessorio immancabile nello stile di vita contemporaneo, una nuova e buona abitudine che accoglie l’acqua delle sorgenti, quella del Sindaco, quella delle fontane. In questo segmento la ricerca progettuale è a tutto campo — tecnica e tecnologica, grafica e di comunicazione. Giacomo Fava — architetto e designer marchigiano eclettico e talentuoso — ha ideato e progettato una curiosa collezione di borracce dal nome accattivante, una famiglia di oggetti che guarda soprattutto al segmento infanzia.

My Forever Friends è espressione di un design affettivo, una frontiera dove il prodotto di uso quotidiano supera la dimensione del consumo per diventare oggetto con cui attivare una relazione, a partire dall’idea che la durabilità emozionale sia oggi importante quanto la durabilità tecnica. La collezione reinterpreta la borraccia e la trasforma in una piccola architettura sensoriale, pensata per essere amata e conservata nel tempo. Così animali archetipici — panda, unicorni, mucche, cani, gatti — diventano icone di un immaginario universale.

Tecnicamente e formalmente le superfici morbide e monocromatiche, la tattilità soft-touch, la cura nelle proporzioni e nelle silhouette evocano un minimalismo empatico e affettuoso. Nessuna grafica superflua, nessun eccesso, solo forma, texture, carattere. È la dimostrazione che il design per l’infanzia può aspirare a un’estetica adulta, sofisticata, riconoscibile. Le borracce rispettano severi e rigorosi protocolli di sicurezza, qualità e cultura del materiale: sono realizzate in acciaio inox 18/8, con rivestimento interno SAE 304, isolamento a vuoto (24h cold/12h hot), tappo soft-touch a tenuta stagna, materiali senza BPA, struttura antigraffio e base antiscivolo. Sono scelte tecniche che soddisfano temi centrali del design contemporaneo: il benessere e la salute quotidiana, la sostenibilità dell’uso e non solo del materiale, la longevità del prodotto come gesto culturalmente responsabile.

Il Compasso d’Oro è uno dei premi più storici e autorevoli nel mondo del design, istituito nel 1954 da Gio Ponti e gestito dal 1958 da ADI — Associazione per il Disegno Industriale. Il prestigioso riconoscimento mira a valorizzare la cultura del progetto, premiando oggetti, servizi e processi che rappresentano l’eccellenza del design industriale.

Dal 2015 è stata istituita una edizione speciale del premio, con l’obiettivo di aprire il confronto a una dimensione globale. Il Compasso d’Oro International Award ha una cadenza tematica ed è aperta ad aziende e progettisti di tutto il mondo. Ogni edizione internazionale è dedicata a un tema di particolare rilevanza contemporanea, scelto per stimolare la riflessione sul ruolo del design nella società e nelle sue trasformazioni.

In occasione di Expo 2025 Osaka è stata indetta la terza edizione del Compasso d’Oro International Award sul tema Designing Future Society for Our Lives: un invito a immaginare come il design possa contribuire alla costruzione di una società più sostenibile, equa e connessa, capace di valorizzare la vita delle persone in tutte le sue dimensioni.

La terza edizione del Compasso d’Oro International Award, conclusa con la premiazione ad Osaka il 5 settembre, è stata indetta in collaborazione con il Commissariato Generale per l’Italia a Expo 2025 e con il supporto del BIE — Bureau International des Expositions che governa le Esposizioni Universali, con il patrocinio del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale. La cerimonia di premiazione ha avuto il patrocinio del Ministero delle Imprese e del Made in Italy. I progetti vincitori sono stati esposti in mostra presso il Padiglione Italia fino alla chiusura di Expo 2025 il 13 ottobre sono stati allestiti in una mostra dedicata all’ADI Design Museum a Milano dal 9 dicembre 2025 al 6 gennaio 2026.

Il Compasso d’Oro International Award rappresenta un ponte tra la tradizione del design italiano e le sfide globali del futuro: una preziosa occasione per contribuire al dialogo tra visioni, esperienze e soluzioni progettuali provenienti da contesti culturali e geografici diversi.

I progetti premiati hanno evidenziato alcune direzioni del design contemporaneo, con orientamenti verso il benessere e la salute degli individui (dispositivi medici accessibili, sistemi di monitoraggio e soluzioni di cura), verso la sostenibilità e responsabilità ambientale (materiali riciclati e bio-based, processi di economia circolare e soluzioni a basso impatto sulle risorse naturali), verso la tecnologia al servizio della vita (robotica, piattaforme digitali e intelligenza artificiale al servizio dell’inclusione sociale e miglioramento della qualità degli spazi). Il design manifesta un crescente recupero di arti e mestieri, reinterpretando archetipi domestici e creando nuove sintesi tra memoria e futuro. Il progetto assume sempre più un ruolo narrativo, attraverso oggetti e sistemi che raccontano storie, stimolano emozioni e rafforzano la connessione tra individui e comunità.

La giuria internazionale, presieduta da Maite García Sanchis e composta da Luciano Galimberti, Yongqi Lou, Mario Vattani e Matteo Vercelloni, ha evidenziato una “grande ricchezza espressiva, coniugata a senso di responsabilità e impegno”, riconoscendo nel design un vero e proprio linguaggio universale capace di superare i confini nazionali e di affrontare le sfide globali con innovazione, qualità e sostenibilità.

Tra i riconoscimenti assegnati in questa edizione ci sono ben 5 eccellenze dei nostri territori che si sono distinte con 3 Compassi d’Oro su 20 e 2 Menzioni d’Onore su 35: iGuzzini, premiata con il Compasso d’Oro per il progetto Agorà disegnato da Wilmotte & Industries; ARIAFINA, premiata con il Compasso d’Oro per il progetto Ariachef Pro disegnato da Fabrizio Crisà; Fratelli Guzzini premiata con il Compasso d’Oro per Eco-Packly disegnato da Roberto Giacomucci; Cordivari premiata con Menzione d’Onore con il progetto Run disegnato da Monica Alegiani e Vanessa Massacci; Elica, premiata con Menzione d’Onore per LHOV disegnato da Fabrizio Crisà.

Questo riconoscimento non rappresenta solo un prestigioso merito progettuale, ma un posto nella storia del design italiano. Ogni progetto premiato entra a far parte della Collezione permanente del Compasso d’Oro affiancando circa 2500 opere che raccontano l’evoluzione del design e della società dagli anni ’50 ad oggi. Questo archivio, custodito dalla Fondazione ADI, è stato riconosciuto dal Ministero dei Beni Culturali nel 2004 come “bene di eccezionale interesse artistico e storico” inserendolo nel patrimonio nazionale. Il volume del Compasso d’Oro International Award Your Design for Better Lives edito da ADI rappresenta una fotografia contemporanea del design internazionale in rapporto ai temi del salvare, potenziare e connettere vite: ovvero il contributo del design nel progettare la società futura.

Fondata nel 1976 da Piero Moretti e Teresa Stocchi, Ideal Blue trasforma da cinquant’anni la passione per il prodotto in una manifattura tessile di alto livello. Dopo gli inizi come abili fasonisti in campo sartoriale, l’azienda ha saputo orientare con intuizione la propria eccellenza, nel 1999, verso il settore del denim di fascia alta, arrivando a operare su scala internazionale al fianco dei brand d’avanguardia più prestigiosi al mondo. Oggi l’azienda è in grado di supportare l’intero processo di industrializzazione del capo, dall’ideazione alla logistica, garantendo funzionalità operativa e privacy assoluta durante la realizzazione dei nuovi modelli. Ideal Blue si differenzia nel panorama europeo per aver rivoluzionato il concetto tradizionale di manifattura, sostituendo la logica cliente-fornitore con un modello di partnership volto a un successo condiviso. Questo approccio si riflette in una struttura dove tutti i cicli produttivi sono gestiti internamente in reparti interconnessi, assicurando massima efficienza dalla prototipazione alla produzione finale. La costante ricerca del miglioramento si sposa con un profondo impegno verso la responsabilità ambientale, che ha reso l’azienda una delle poche realtà capaci di trasformare il lavaggio industriale del jeans grazie alla tecnologia laser. Attualmente la struttura si divide in due stabilimenti per un totale di 10.000 metri quadrati, conta 140 dipendenti e una produzione annua di 300.000 capi. Gestita oggi dalla seconda generazione della famiglia con Sara, Marco e Silvia Moretti, quest’ultima nel ruolo di amministratore delegato, dialoga con l’artista Giovanni Gaggia per raccontare la propria storia, il futuro e il profondo rapporto con l’arte, consolidato anche attraverso la partnership tecnica per il progetto BLU: il colore della cuccagna.

GG Ci conosciamo dai primi anni Novanta: abbiamo frequentato le superiori insieme, sezione grafica, alla Scuola del Libro. Se torno indietro con il pensiero e ti rivedo com’eri allora, non ti avrei mai immaginata come responsabile di un’azienda — quella della tua famiglia, a Urbania, L’Ideal Blu. Ma da qualche parte nel mondo a ricercare uno stato di libertà. Sono stati anni belli quelli che abbiamo vissuto, in cui il disegno e, in particolare, la progettazione sono diventati, in maniera diversa per l’uno e per l’altra, la base del nostro lavoro. Ti ritrovai nei primi anni duemila, quando feci una piccola personale nella tua città. Mi regalasti una giacca di una linea che tentavi di mandare in produzione, “Il de Vie”: il concept ruotava attorno agli abiti dei nostri nonni. Ho ancora quel capo. Rischiò di bruciare in un locale: mi appoggiai a una lampada incandescente e così, sulla spalla destra, comparve un ricamo — in oro — a forma di cuore. Mi racconti le connessioni tra la tua formazione e il lavoro che ti sei trovata a fare? Quanto ti sei portata con te di quegli anni?

SM Durante la mia formazione, la consegna dei progetti rappresentava sempre un momento cruciale, e quella grinta che mi teneva sveglia fino a notte fonda per rispettare le scadenze è diventata un punto di forza anche nel mio lavoro odierno.

GG L’azienda era di tuo padre: qual è oggi il legame con la tua terra?

SM Ideal Blu è stata fondata dai miei genitori e ha compiuto 50 anni proprio nel gennaio 2026. Io e i miei fratelli lavoriamo al suo interno da circa 27 anni: il passaggio generazionale è stato molto lento e questo ci ha permesso di portare avanti una tradizione familiare. Il legame che ho con il territorio passa anche attraverso questo forte senso di appartenenza familiare.

GG Producete capi in jeans e siete nel distretto del denim. Come si è sviluppato questo mercato proprio a Urbania e nelle zone limitrofe?

SM I primi laboratori di cucito iniziarono a nascere intorno agli anni ’50, per poi dare vita, tra la fine degli anni ’60 e gli anni ’80, alla famosa “Jeans Valley”, che contava quasi 300 aziende coinvolte nella filiera del prodotto, tra cui anche la nostra. Sicuramente molti giovani coraggiosi si sono messi in gioco, hanno fatto comunità attorno a un obiettivo comune e, insieme, sono cresciuti diventando veri imprenditori.

GG Lavorate per grandi marchi della moda e realizzate le idee degli stilisti. Mi racconteresti la modalità di lavoro, come si passa dall’idea alla realizzazione?

SM Il punto alla base di un buon risultato è l’ascolto. Comprendere chi si ha di fronte è fondamentale: c’è un grande lavoro di conoscenza e ricerca. Una volta entrati in confidenza con il gusto e le attitudini del brand, si può costruire. Ogni idea viene trasformata secondo il linguaggio del cliente e noi entriamo in sintonia con lui, proponendo soluzioni artigianali ma anche tecnologiche, realizzabili in accordo con la sua visione.

GG Ho visitato l’azienda di recente e ho notato una grande attenzione all’ambiente. Sappiamo che, per chi lavora come voi con questo tessuto, si tratta di un ambito complesso: da una parte la tintura, dall’altra lo scarto, la campionatura e il tessuto dismesso. Come affrontate questi aspetti?

SM Da diversi anni abbiamo deciso di fare la nostra parte, spinti innanzitutto dal desiderio di modificare alcuni processi legati ai trattamenti sul capo finito, che prevedevano l’impiego di sostanze chimiche e l’utilizzo di ingenti quantità di acqua. In secondo luogo, abbiamo scelto di adeguarci alle nuove direttive in materia di certificazioni che, fortunatamente, stanno entrando in vigore e regolamentano l’intera filiera. Non da ultimo, abbiamo affrontato il tema delle quantità di tessuto scartate durante il processo produttivo. A questo proposito abbiamo avviato diverse collaborazioni come gruppo, con l’obiettivo di destinare questi scarti ad aziende in grado di trasformarli nuovamente in tessuto.

GG Utilizzate il disegno laser non soltanto per tracciare linee, ma anche per realizzare bagni di colore. Perché questa scelta e quale impatto ha sull’ecologia?

SM La tecnologia laser rappresenta per noi il futuro. Abbiamo introdotto questa tecnologia in manifattura e siamo stati i primi a “laserare” il tagliato prima della confezione: un processo che oggi viene utilizzato da diverse aziende e che per noi è motivo di grande orgoglio. Il laser ci consente di personalizzare e nobilitare il tessuto e, soprattutto, di ottenere effetti di trattamento riducendo drasticamente l’uso di acqua. Un passo importante avanti sul fronte della sostenibilità.

GG Come immagini il futuro del jeans? Potrà mai diventare ecosostenibile e, se sì, in che modo?

SM Il jeans è un prodotto vivo, capace di reinventarsi nel tempo. È uno dei prodotti più iconici al mondo e posso affermare che la strada verso l’ecosostenibilità è già stata intrapresa da molti: servono attenzione, trasparenza e, soprattutto, rispetto.

A poco più di un anno dalla sua conclusione, Blu: il colore della cuccagna, progetto di dossier di Pesaro 2024 – Capitale Italiana della Cultura, costituisce oggi un caso di studio significativo per leggere le possibilità di riattivazione di un territorio attraverso pratiche artistiche che eccedono la dimensione puramente estetica o narrativa. Nel Pesarese, area segnata da una stratificazione produttiva e culturale di lunga data connessa alla coltivazione e alla lavorazione del blu di guado, si è articolato un dispositivo situato su larga scala. Il colore estratto dalla nota pianta erbacea ha assunto la funzione di metafora operativa per affrontare questioni ecologiche, relazionali e politiche, mettendo in tensione il patrimonio umano e storico-materiale con i linguaggi della contemporaneità. All’interno di questo contesto — la cui vicenda non è qui riassumibile — le pratiche sviluppate si sono confrontate più o meno direttamente con la materialità del pigmento tintorio, riconoscendo nel guado un deposito e insieme un vettore della memoria territoriale. Negli interventi delle artiste Giorgia Severi e delle sorelle Anna e Marta Roberti, orientati rispettivamente verso una prospettiva ambientalista e una riflessione critica sull’immaginario animale, i processi di tintura e trasformazione del tessuto hanno ricoperto, ad esempio, un ruolo centrale, sebbene ridefiniti al di fuori di qualsiasi funzione meramente rappresentativa. Gli sviluppi emersi nel corso del 2025 hanno tuttavia confermato come questa eredità non si esaurisse nelle pratiche già attivate, ma restasse aperta a un’ulteriore espansione concettuale e temporale, capace di intensificare il dialogo con il presente.

È in questo snodo temporale, e con questa consapevolezza, che si colloca Geografie Blu, passaggio restitutivo dei percorsi di residenza attuati nell’anno precedente, da me curato, in una felice coincidenza temporale, peraltro del tutto indipendente, con l’esposizione Blu Infinito dedicata a Luigi Ghirri al MARV di Gradara. Ospite dello Spazio Torrso di Pesaro, lo scorso luglio la mostra ha riunito undici artisti — tra i quali Elena Bellantoni, Gea Casolaro, Giulia Marchi, Fabrizio Cotognini, Juan Pablo Macías e Marco Strappato — chiamati a rileggere e rimettere in circolo, ciascuno dal proprio campo di indagine, suggestioni sedimentate. Più che segnare la conclusione di un percorso, Geografie Blu ne ha prolungato la tensione, affidando al dato cromatico il ruolo di traccia mobile in grado di mantenerne viva la pertinenza.

Sulla scorta di questa persistenza diventano leggibili alcune altre attività di nuova formazione o di rinnovato innesco, senza configurarsi necessariamente quali esplicite prosecuzioni. Fra queste emerge Guado Urbino, laboratorio fondato nella città feltresca da Alessandra Ubaldi, oggi impegnato nell’avvio di nuovi percorsi. In particolare, il lavoro attorno alla rigenerazione di un mulino storico a Fossombrone — il maggiore lungo il corso del Metauro, principale fiume delle Marche — apre a una possibile continuità tra pratiche contemporanee, coltivazione del guado e trasmissione dei saperi, delineando un orizzonte operativo ancora in divenire.

Nel solco di questa rifondazione si attesta anche la ricerca artistica più recente di Giovanni Gaggia, che legge colore e tessuto come campi semantici attraversati da questioni produttive, ecologiche e geopolitiche. Fondatore di Casa Sponge, artist-run space pergolese ed ente attuatore di Blu, Gaggia è l’unico tra gli artisti del contesto marchigiano coinvolti ad aver proseguito in maniera autonoma e continuativa tale riflessione. Il suo operato non va tuttavia inteso in termini di centralità autoriale, quanto piuttosto quale nucleo di condensazione e articolazione di storie e di sguardi che si addensano là dove la materia diventa indice di processi più ampi. Il passaggio dal blu del guado all’utilizzo del jeans allude infatti allo sfruttamento del colore nei circuiti globali della manifattura, del consumo e dello scarto, rendendo esplicite le tensioni tra lavoro, socialità e responsabilità collettiva. Ciò anche grazie al confronto proficuo con interlocutori produttivi, tra i quali si distingue Ideal Blu, impresa manifatturiera di esperienza radicata nel distretto del denim marchigiano.

A Lamoli di Borgo Pace, in provincia di Pesaro e Urbino, il tempo sembra rallentare tra le pietre antiche dell’Abbazia di San Michele Arcangelo. Nel silenzio del suo chiostro medievale, protetto da mura che da secoli custodiscono storie e presenze, si trova un luogo speciale: il Museo dei Colori Naturali dedicato a Delio Bischi, studioso appassionato e infaticabile ricercatore storico. Entrarvi è come varcare una soglia che separa il quotidiano da un mondo fatto di sfumature, profumi di erbe essiccate e memorie dimenticate.

Il Museo, oggi proprietà del Comune di Borgo Pace, è molto più di uno spazio espositivo: è un luogo vivo, un nodo in cui si intrecciano storia, territorio e ricerca. Chi vi entra non è un semplice visitatore, ma un viandante curioso, invitato a scoprire un patrimonio fatto di colori che hanno accompagnato l’umanità fin dall’alba delle civiltà. Il percorso inizia con i pigmenti che appartengono alla terra stessa: minerali, radici, cortecce, fiori che per millenni hanno permesso all’uomo di tingere tessuti, decorare pareti, illustrare manoscritti, dare voce alle proprie emozioni attraverso le immagini.

Si viaggia così attraverso i secoli, osservando come questi colori naturali siano stati parte integrante della vita quotidiana e delle grandi opere d’arte. Il racconto prosegue fino ai primi anni del Novecento, quando sul mercato fanno la loro comparsa i colori sintetici. La loro diffusione è rapida e travolgente, tanto da relegare in breve tempo gli antichi pigmenti in un angolo della storia. Solo oggi, di fronte a un mondo che interroga il proprio futuro e le conseguenze dell’industrializzazione, quei colori tornano a parlare con voce nuova, chiedendo di essere riscoperti.

“Il blu è una postura, uno stato d’animo, uno sguardo sul mondo – ci sono persone, sentimenti, significati blu. Dire Oltremare, Klein, Navy, Indaco significa spalancare mondi, orizzonti e appartenenze, come onde che si irradiano. La storia del blu e del guado nelle valli marchigiane è una memoria aumentata che trattiene l’identità botanica, la sapienza popolare e la manifattura.”

Cristiana Colli, in Blu, il colore della cuccagna. Sulla via del guado tra storia e contemporaneo, Manfredi edizioni, 2024.

Dalle foglie verdi alla tintura blu

La protagonista della storia del blu e del guado nelle valli marchigiane è l’Isatis tinctoria, nota come guado. È una pianta biennale della famiglia delle brassicacee (o cruciferae) che fa parte delle cosiddette “piante da blu”, da cui si ricava un colorante di questa cromia, come indicato nella sua scheda botanica. Un’altra storica pianta del blu è la Indigofera tinctoria — leguminosa che produce uno dei pigmenti naturali più iconici della storia: il blu indaco — dal cromatismo che oscilla tra il blu e il violetto con tonalità più morbide del blu del guado.

La produzione e il commercio nelle Marche del pigmento ricavato dalla piantina del guado sono stati una risorsa rilevante per il Ducato di Urbino tra il XVI e XVII secolo e hanno portato nuova luce nel mondo delle arti: con questo colore si decoravano preziosi manoscritti, si realizzavano acquarelli e affreschi, si coprivano con mantelli in tutte le gradazioni del ceruleo — colore simbolico del divino — le più belle Madonne del Rinascimento, come quelle nobilmente presenti, assorte nella loro luce interiore, di Piero della Francesca. Poi la produzione del guado si ferma e nel tempo viene dimenticata. Lo storico Delio Bischi negli anni ’80 ritrova e censisce 60 macine di mole da guado disperse nel territorio di Pesaro e Urbino, oggetti sconosciuti di cui si era persa la memoria, utilizzati come basi di edicole votive.

Dalla naturalità alla modernità

L’utilizzo del blu si converte al settore industriale. È la produzione dei jeans, nuova ricchezza nella Valle del Metauro, che adotta i coloranti sintetici — stabili e inalterabili — dimenticando le sfumature uniche dalle tonalità intermedie dei colori naturali. Non è una pratica sostenibile: le grandi macchine di lavaggio dei tessuti finiti versano, in grandi nuvole di vapore, i loro residui inquinanti nell’ambiente.

Una nuova narrazione

Un mondo in cui l’uomo lavorava in sintonia con la natura è scomparso ma una nuova consapevolezza sta adottando, nei nostri distretti produttivi, pratiche di alto valore aggiunto nella ricerca di una ritrovata naturalità. Nelle istituzioni si afferma una nuova attenzione alla storia delle identità culturali e materiali della regione. Si è messa in rete, con iniziative dedicate, come Pesaro Capitale della Cultura 2024, una nuova narrazione alimentata dalle intuizioni e opere degli artisti contemporanei che ha ospitato, tra gli altri, il progetto artistico e culturale diffuso “Blu: il colore della cuccagna”. È l’arte che attribuisce al guado un valore da salvare. Come memoria, tuttavia plasmabile sulla contemporaneità.

Scheda botanica: nome: Isatis tinctoria — pianta erbacea biennale foglie: picciolate, oblungo-lanceolate, di colore verde glauco fiori: infiorescenza di una ventina di steli con fiori dai sepali ellittici e petali gialli esposizione: sole semina: primavera, autunno fioritura: fra maggio e luglio frutto: siliquette pendule, compresse ai margini, contenenti un solo seme liscio, oblungo, brunastro raccolta del seme: autunno

La mostra Italia in movimento. Autostrade e futuro, voluta da ASPI autostrade per l’Italia per celebrare i cento anni dalla costruzione della prima autostrada italiana, è stata curata da Pippo Ciorra e Angela Parente per il MAXXI di Roma. Attraverso progetti d’archivio, fotografie d’autore, mappe in evoluzione e immagini iconiche, la mostra accompagna il visitatore lungo un itinerario spazio-temporale, fatto non solo della storia della rete ma anche dei suoi luoghi, delle sue comunità e dei suoi temi ricorrenti. Le quattro sezioni della mostra celebrano infatti il ruolo dell’autostrada come protagonista nella costruzione del paesaggio, delle vite quotidiane e della narrazione collettiva: un invito a riscoprire l’Italia come l’hanno vissuta milioni di viaggiatori, nel corso delle varie epoche. E lanciare uno sguardo al futuro.