Leonardo Petrucci
Una questione di spazio

La mostra a Palazzo Mosca – Musei Civici – a cura di Marcello Smarrelli – sintetizza la produzione artistica degli ultimi dieci anni di Leonardo Petrucci che riflettono in modo puntuale sul rapporto tra arte, natura e tecnologia, in sintonia con i temi di Pesaro 2024. Una ricerca incentrata su materie quali la geometria sacra, l’alchimia, la cabala e l’astrologia, che da sempre ci affascinano per i risvolti mistici e simbolici, cui si sovrappongono contenuti più contemporanei vicini alla scienza, alla biologia, alla fisica quantistica e all’astronomia. Installazioni multimediali che si avvalgono di antichi saperi artigianali, materiali naturali (carta, legno, lana, cemento, etc.), mixati con fotografia, video pittura tradizionale e digitale. Alchimie che trasmutano la materia attraverso creazioni di enigmi linguistici e matematici.

Biosfera
Artifact per CTE Square Pesaro

Un’installazione scultorea unica nel suo genere in Europa, 6 m di diametro e oltre 5 di altezza, con più di 2 milioni di LED e dotata di un impianto acustico spazializzato. I sensori di rilevamento della posizione ne fanno una piattaforma ideale per la creazione di opere digitali interattive. Grazie ad hardware e software avanzati, la sfera è in grado di processare e riprodurre contenuti video e audio in tempo reale, offrendo al pubblico un’esperienza immersiva a 360°. Le opere digitali che vivono in Biosfera si allineano con gli obiettivi della CTE Square Pesaro – Casa delle Tecnologie Emergenti. È anche luogo di aggregazione grazie al palcoscenico che la circonda.

Spark: ritornano le lucciole
Studio Roosegaarde

Una performance poetica di migliaia di scintille luminose biodegradabili che fluttuano nell’aria, come fuochi d’artificio organici, che ha radunato al Parco Miralfiore oltre 20mila persone in 3 serate. È la metafora pasoliniana delle lucciole – che non si oppongono all’oscurità ma alle luci abbaglianti della società dello spettacolo e della consumazione – che fa da sfondo al lavoro del designer e attivista ambientale olandese Daan Roosegaarde. Un lavoro che si è ispirato alla luce magica di questi affascinanti coleotteri e al desiderio di rendere più attuale il rituale dei fuochi d’artificio, con il doppio invito al pubblico a meravigliarsi e a riflettere.

Dalle sculture nella città all’arte delle comunità

A 50 anni dalla storica mostra di Arnaldo Pomodoro, Sculture nella città (1971), pietra miliare nel dibattito artistico e tappa fondamentale per l’identità contemporanea di Pesaro, il progetto, a cura di Marcello Smarrelli – ha indagato il ruolo attuale dell’arte nello spazio pubblico con 13 episodi: una mostra al Centro Arti Visive Pescheria e 12 opere site-specific nei Quartieri della città e nel Municipio di Monteciccardo. Attraverso la partecipazione di oltre 40 artisti e curatori, il progetto ha coinvolto i cittadini attraverso percorsi di co-progettazione e co-creazione, raccontato le micro e macro-storie dei Quartieri per dare voce anche a quello che sta fuori dal centro, attraverso un metodo per nutrire l’immaginazione, interrogandosi su cosa è Pesaro e su cosa vuole diventare.

SPAZI A TEMPO – Olivo Barbieri

SPAZI A TEMPO, il progetto espositivo ideato per i Musei Civici di Palazzo Mosca, ha presentato al pubblico una raccolta di fotografie e video della serie site specific di Olivo Barbieri (Carpi, 1954). Negli anni tra il 2003 e il 2023, Barbieri si è dedicato all’osservazione dall’alto delle città del mondo e allo studio delle possibili rappresentazioni dello spazio urbano. SPAZI A TEMPO ha ripercorso cronologicamente venti anni di ricerca sulle forme architettoniche emergenti nella trama di città come Roma e Shanghai, Las Vegas e Siviglia, Bangkok e Los Angeles, Città del Messico e Istanbul, Brasilia e Tel Aviv. La mostra, a cura di Alessandro Dandini de Sylva, ha condotto gli spettatori in un sorprendente viaggio attraverso la natura e la percezione delle città del XXI secolo ed è stata accompagnata dalla pubblicazione di TIMED SPACES, una raccolta di 145 immagini edita da Quodlibet.

The Life – Marina Abramović e Tin Drum

Nel palinsesto di Pesaro 2024, il primo evento immersivo di arte performativa in realtà mista mai concepito ideato da Marina Abramović e prodotto dallo studio specializzato in mixed reality Tin Drum con la regia del fondatore Todd Eckert. Presentato a Londra nel 2019, qui ha debuttato arricchito di costumi originali ed elementi acustici pensati per invitare a una riflessione dedicata alla natura della memoria. The Life riflette sul potere dell’arte come forza non tangibile, scaturita dall’incontro tra l’artista e l’energia collettiva delle persone coinvolte nell’opera. Abramović ed Eckert sono stati presenti in città in momenti aperti a pubblico e stampa.

Nelle regole della bellezza – Numero cromatico

Il progetto espositivo site-specific di Numero Cromatico per il Centro Arti Visive Pescheria – a cura di Marcello Smarrelli – ha dedicato un’attenta riflessione alla relazione tra esseri umani, natura e tecnologie. Avvalendosi di un approccio interdisciplinare che oscilla tra arte e neuroscienze, la mostra ha costruito una narrazione che si è dipanata attraverso due installazioni ambientali – Codice Umano e Noosfera – pensate per far immergere il visitatore in una condizione percettiva inusuale e invitarlo a esplorare il proprio modo di abitare la Terra, a partire dal rapporto natura/tecnologia. Le opere, in tutte le loro componenti (visive, tattili e sonore), sono state realizzate unendo saperi umanistici e scientifici, artigianato e tecnologie digitali.

KAGAMI – Ryuichi Sakamoto e Tin Drum

Presentato a Pesaro in anteprima nazionale, Kagami è il progetto che vede protagonista Ryuichi Sakamoto (1952-2023), tra i massimi compositori contemporanei per il grande schermo, vincitore di un Oscar e due Golden Globe. A più di un anno dalla sua morte, l’artista è tornato a suonare “dal vivo” grazie a tecnologie all’avanguardia, capaci di fondere immagini tridimensionali in movimento con l’ambiente circostante, dando vita ad un evento in realtà mista mai sperimentata prima. Definito dal Guardian “un’esperienza rivoluzionaria”, Kagami è stato realizzato prima della morte dallo stesso Sakamoto con Todd Eckert, fondatore del collettivo newyorkese Tin Drum.

Remote Pesaro – Rimini Protokoll

Il progetto indaga il rapporto tra l’intelligenza artificiale e la nostra prevedibilità. Un gruppo di 40 persone al giorno è stato coinvolto in un esperimento: passeggiare per la città indossando un paio di cuffie, guidato da una voce registrata per interrogarsi su come vengono prese le decisioni collettive. Come agisce l’essere umano quando è guidato da un algoritmo? Le persone coinvolte si osservano a vicenda, prendono decisioni individuali eppure rimangono sempre parte di un gruppo. Remote Pesaro solleva domande sull’uso dei big data e sfida a riflettere sull’interazione con le tecnologie moderne e sulle relative conseguenze sulla nostra vita quotidiana.

In Ascolto: la Sonosfera® da dentro, fuori e oltre

Il progetto nasce all’interno di ISAC-2024, seconda edizione del Concorso Internazionale di composizione elettroacustica tridimensionale per Sonosfera® ideato da David Monacchi e dedicato al M° Eugenio Giordani scomparso nel 2020 che ha diretto per 40 anni la storica Scuola di Musica Elettronica del Conservatorio Rossini. Il concorso si è avvalso della collaborazione prestigiosa di IRCAM Centre Pompidou di Parigi e funge da piattaforma per supportare le pratiche creative nella musica interamente perifonica e nella composizione di paesaggi sonori. La Sonosfera® è un anfiteatro tecnologico per l’ascolto profondo degli ecosistemi e della musica unico al mondo.

Il bosco che cammina

100 grandi vasi di alberi e arbusti che avanzano nella città per rigenerare suolo sterile per un’installazione temporanea di piante in luoghi in cui l’elemento vegetale era assente, come un’invasione verde. Il progetto vuole stimolare una rilettura dello spazio urbano occupato e insieme un ripensamento della relazione tra uomo e natura. Collocate in grandi vasi di canapa di 1 metro cubo realizzati per l’occasione, le piante hanno occupato lo spazio pubblico in diverse configurazioni partendo dalla centrale Piazza del Popolo fino alla loro collocazione finale, presso l’Istituto Alberghiero Santa Marta, dove sono state piantate a terra riqualificando la scuola.

Musicoteca dei Piccoli

A partire dall’idea che la musica è espressione artistica capace di coinvolgere tutti, il progetto è dedicato all’educazione sonora e musicale in età 0-6 anni, a disposizione di scuole, asili nido, famiglie e musicisti. La sensibilizzazione dalla primissima infanzia crea una vera e propria comunità intorno a un percorso di crescita basato sulla musica e sullo stare insieme in uno spazio inclusivo e adeguato all’utenza. La Musicoteca, progetto realizzato dall’associazione Liberamusica, è articolata in stanze che ospitano anche una biblioteca, un laboratorio di liuteria, un micro-teatro, strumenti artigianali interattivi per i piccoli, tra cui campane tubolari, percussioni ad acqua, per un mondo di suoni diversi.

La natura operosa della cultura – Blu: il colore della cuccagna

Progetto dell’artista Giovanni Gaggia
12 febbraio – 31 dicembre 2024

Il percorso si è sviluppato attorno al tema del blu, colore ricavato dalla pianta Isatis tinctoria tipica dell’area, conosciuta come “guado”. Intrecciando i saperi antichi e del presente, “Blu: il colore della cuccagna” ha esplorato il legame tra arte, tradizioni tintorie e storia per creare una visione futura e condivisa della comunità. Nucleo fondante del progetto la mostra “L’Oro Blu”, a cura di Leonardo Regano che ha messo in dialogo le collezioni del Museo dei Bronzi Dorati e della Città di Pergola con la contemporaneità.

Nel corso dell’anno, sono state proposte residenze artistiche, esposizioni, workshop, laboratori e attività nei borghi, coinvolgendo anche le scuole. In totale sono stati coinvolti 82 artisti e le attività hanno attraversato i comuni di Urbino, Pergola, Urbania, Peglio, Borgo Pace, Sant’Angelo in Vado e Pesaro, culminando con la pubblicazione di un libro, memoria viva e condivisa dell’intero viaggio.

Abbiamo così coinvolto da subito la Negro Servizi, azienda che si occupa di bonifiche, con l’obiettivo di mettere in sicurezza l’edificio con apposite vernici. Abbiamo costruito un team in grado di affrontare tutte le complessità tecnico burocratiche che un progetto così, seppur di piccole dimensioni, ha dovuto affrontare. Il Consorzio Cooperative Lavoratori ha messo a disposizione la direzione lavori, Romeo Safety il controllo sicurezza, Super la mia attività di coordinamento scientifico, PCM studio ha curato la comunicazione e Black Mamba avrebbe eseguito la post produzione del documentario finale. Un patto di collaborazione con il Comune di Milano e il Municipio di zona 6 ha tenuto insieme le diverse partnership che hanno accompagnato Gruppo Cap, capofila visionario. Ed è così che sotto lo sguardo e la supervisione attenta di Roberto, le videocamere di Henrik, insieme agli operai della Negro Servizi, questo oggetto abbandonato è diventato oggi una meravigliosa visione per chi attraversa il Parco ma soprattutto per chi, dall’alto, può godere di una vista esclusiva. È proprio in questo che la potenza visionaria di Roberto Coda Zabetta vive, perché con il suo intervento non ha cercato solo un’astratta provocazione, ma rifacendosi a una tradizione gloriosa dell’arte, ha voluto che la scuola e i valori che rappresenta brillassero con la più scultorea delle tinte, il bronzo appena lucidato. La scuola ha riacquisito luce, è stata restituita temporaneamente ai cittadini e resa fruibile visivamente nelle forme di una monumentale scultura ambientale. Un omaggio alla città, al quartiere e ai suoi abitanti, tanto più prezioso, proprio perché reso leggero e vivo dalla sua stessa volatilità, dall’essere destinato a scomparire. La scuola color del bronzo è diventata così un monumento più durevole nel suo valore in quanto volutamente provvisorio. Si tratta di un modo radicale di intendere l’arte pubblica e la sua stessa funzione sociale: lontano da qualunque protagonismo Roberto Coda Zabetta ha scelto un contesto urbano umano e popolare lasciando che a trasmettere il suo messaggio siano il senso del sacro, la storia dell’arte e la vicenda umana in tutte le sue contraddizioni. E grazie a lui abbiamo portato l’arte dove l’arte non arriva quasi mai.

Marshy (in italiano palude, stagno) nasce dalla fascinazione di Tibaldi per i luoghi marginali, gli spazi liminari, le aree di confine, la materia instabile e vibratile. Quest’opera ribalta l’immagine della palude, spesso usata come metafora dell’immobilità e luogo inadatto agli insediamenti umani a meno di non essere bonificato, per esaltarne la natura di spazio germinale per antonomasia, generatore di biodiversità uniche. Per la collocazione dell’opera è stata individuata un’area fortemente evocativa, posta fra i due edifici produttivi dell’azienda, da cui si gode di una vista privilegiata sul centro storico di Castelfidardo. Marshy presenta una vasca circolare del diametro di 12 metri con una piccola isola centrale, a cui si accede attraverso tre sentieri. Qui ci si ritrova immersi tra elementi artificiali ispirati alla flora e alla fauna tipici delle paludi, realizzati dall’artista insieme ai dipendenti dell’azienda usando i materiali di scarto della produzione. Abita l’ambiente una variegata quanto variopinta comunità di oltre 250 volatili individuati attraverso la somministrazione, a tutti i dipendenti del gruppo Elica nel mondo, di un questionario in cui si chiedeva di identificare un volatile in grado di rappresentarli. Inoltre, tra arbusti e volatili compaiono oltre 400 posate e utensili domestici che le persone di EMC FIME hanno prelevato, su indicazione dell’artista, tra quelli più malridotti e inutili della propria cucina.

Un ambiente scartato popolato di scarti. Completa la grande opera ambientale un inserto sonoro – realizzato con il maestro Andrea Naspi in collaborazione con la storica azienda di Fisarmoniche Pigini – che imita il suono degli uccelli, rendendo l’esperienza della visita completamente immersiva. Nulla è reale all’interno dell’installazione. Il risultato finale è un luogo di totale sospensione, un punto privilegiato inserito all’interno dell’area industriale a sancire la vera natura non-monumentale di quest’opera: un “non luogo” lo definirebbe il filosofo Marc Augè, un “super luogo” lo definisce Tibaldi. Un punto lontano dai riflettori dove gli scambi e le interazioni sono continue e spasmodiche, uno spazio che diventa metafora del rapporto fra uomo e natura, un pensatoio in cui riflettersi e riflettere.

Ex Pescheria del Foro Annonario di Senigallia
15 aprile – 22 maggio 2022

Gruppo di lavoro Associazione Lapsus Diversa Creatività
Caterina Sagrati
Gianfranco Pico Romagnoli
Andrea Sestito
Andrea Nacciarriti
Valentina Trombini

Patrocinio del Comune
di Senigallia

Installazione
Impresa Edile Spadoni Santinelli Claudio
Spazio Autogestito Arvultùra

L’artista ha saputo riattualizzare un linguaggio che ha segnato la prima parte della seconda metà del Novecento, procedendo a rinvigorirlo e a ricaricarlo di quel valore politico e dichiarativo che si era perduto, linguaggio che per anni è stato declinato al puro esercizio di stile e sottomesso alle logiche dell’interior decorating. Tra un mondo proiettato verso la figurazione e una spazialità sempre più virtuale, si è fatto spazio con la pittura del tempo e della stratificazione, del gesto e della vita, senza cedere mai alle sirene di una formalizzazione accomodante, intraprendendo un viaggio assieme a maestri inossidabili. Pur rimanendo attore del suo tempo, nel suo lavoro non mancano riflessioni relative alla speculazione sull’oggetto, ancorato a una dimensione reale e fisica, oggi più che mai necessaria, scrutandone limiti e contraddizioni, spazialità e superficie. Libero di agire e riversare intimità e passioni, è riuscito a scorgere diversi orizzonti, a produrre un segno attivo e partecipe, presente e critico, mai banale, nonostante i suoi riferimenti al passato con lo spirito di un secolo appena trascorso, animandolo al presente, contro una società arresa all’immagine.

La mostra, organizzata dall’associazione culturale “Lapsus Diversa Creatività”, con il patrocinio del comune di Senigallia, è stato il primo evento artistico ospitato nello spazio espositivo della Ex Pescheria del Foro Annonario di Senigallia, dal 15 aprile al 22 maggio 2022. Le opere raccolte sono state esposte non secondo una logica didascalica o cronologica, ma con la volontà di immergere lo spettatore nella mente e nella creatività dell’Artista. I lavori sono stati appesi a diverse altezze alle capriate dello spazio Ex Pescheria, lasciando liberi i passaggi per lo svolgimento delle attività del mercato mattutino. Lo spettatore è stato portato a scoprire la produzione artistica di Andrea Franceschini seguendo un proprio percorso, sia esso logico o totalmente emozionale, libero di muoversi nella mente dell’Artista, libero di tornare e trovare a ogni sguardo nuove prospettive. Lo spazio della Ex Pescheria, intatto e ben leggibile nei suoi rapporti architettonici e strutturali, instaura un dialogo sincrono tra arte e architettura, che, con queste modalità, si rivelano a vicenda. In questa basilica laica il vento non muoveva teli, non muoveva lenzuola o vele, ma le opere di Andrea Franceschini, che respiravano, sospese in una dimensione onirica.

I veri artisti non muoiono, continuano a parlarci, perché sono e restano “contemporanei”.

Le opere incluse nella mostra La Ripetizione dialogano tenendo presente alcune delle fasi fondamentali dello sviluppo e della percezione della donna nella società contemporanea, oscillando tra analisi del gesto e dell’ordine, e la sua sovversione, l’uscita dalla regola. Se le opere di Anya Jasbar tendono a evidenziare e analizzare le regole che costituiscono certe ripetizioni e le limitate possibilità nella vita di una donna, la risposta di Chris Rocchegiani è la messa in discussione della regola stessa, attraverso il gesto e l’esplorazione di quello che c’è al di fuori del comando, dell’imposizione, e perfino al di fuori del corpo. È attraverso i nodi che Chris Rocchegiani crea un legame indispensabile tra le sue opere e quelle di Anya Jasbar. Nodi a volte stilizzati, a volte fuori dalla traccia; nodi che interpretano il gesto e il movimento; nodi che si ispirano al corpo, come quello nell’opera di Anya Jasbar “Ripetizione (l’abitudine)”, e si ripetono nello spazio, come un mantra.

Un altro argomento fondamentale per questa conversazione tra le due artiste è l’educazione femminile, come possibilità o ostacolo nell’autodeterminazione della donna. L’opera di Anya Jasbar, “Le bulletin scolaire”, è tratta da una selezione di pagelle che l’artista ha trovato e collezionato negli anni. Nelle opere pittoriche di Chris Rocchegiani le figure sovra-terrene e quelle non umane sembrano rubarci alcuni strumenti di lavoro (il telaio, il ferro da stiro), forse per liberarci e svincolarci dalla routine, o forse per provare una qualche sensazione “umana” con tutti i suoi rischi annessi. Nella sua produzione, Chris Rocchegiani cerca di capire quali sono i suoi limiti e che cosa è possibile controllare, come evidente nell’opera “Registro” e le sue 16 variazioni del registro delle spese. Esponendosi all’errore, liberandosi dalla regola, l’artista cerca di trovare un equilibrio tra l’ordine e l’esperienza. Di riflesso, le opere foto-testuali di Anya Jasbar, “L’ordine è l’abitudine” e “La disciplina”, lavorano sulla possibilità di riappropriarsi delle parole e cercano di evidenziare alcune strutture imposte dalla società, unendo materiali d’archivio del mondo tessile-femminile a quello della manualistica militare. Partendo spesso da riviste o documenti d’epoca, le opere rileggono il passato, riflettendo sull’attuale condizione del lavoro e della produzione, e sul concetto della donna come generatrice, biologica e creativa, la sua figura ideale e la sua conformità a questo ruolo.

“Concepiamo l’uomo nel suo nuovo incontro con la natura nella sua necessità di vincolarsi ad essa per trovare nuovamente l’esercizio dei suoi valori originali” aveva ancora ribadito Fontana nel suo manifesto. La conoscenza dell’infinito si sovrappone pertanto all’esercizio poetico, ponendosi oltre qualsiasi possibilità percettiva. La natura è il limite esterno, aggirato dalla forza cognitiva dell’artista che riesce a trasportarlo dove regnano gli incommensurabili spazi e le eterne profondità; la mente è ora aliena dall’umana concezione, affonda nelle immensità travolta dal fluire del tempo. Il pensiero riesce così a conquistare l’ineffabile, penetrando nell’universalità del creato, culminando in un’ascesi prima fisica e poi intellettuale, per solcare un sentiero ideato sull’asse spazio-temporale. I suoi sono quasi sedimenti gessiferi, depositati nelle sale per raffreddamento dell’acqua sulfurea, il tutto per generare meraviglia. Oltrepassare la mera visione del circostante, dirigersi romanticamente e antropologicamente nel luogo governato dalla pura immaginazione è l’esperienza suprema cui Piermattei aspira accostandosi a quell’universo dei sensi sconosciuto al creato ma non alla fantasia.

Una questione dominante nella storia culturale marchigiana viene così reinterpretata: il rapporto tra l’idea d’infinito come spazio e tempo assoluti e la nostra percezione pratica di tempo e spazio trovano una differente esplicazione linguistica.

Diversi studi hanno rilevato il legame di reciprocità che unisce fotografia e turismo, sottolineando come questi producano lo stesso risultato di definizione del soggetto che vi partecipa generando un cortocircuito che ne amplifica gli effetti. Se la fotografia è resa possibile dall’incontro del soggetto con luoghi per lui nuovi, è però essa stessa a definire il turista producendo una sovrapposizione di identità per cui il turista è colui che fotografa.

Grazie ai diversi contributi che fanno parte del volume Italia in miniatura. Un percorso tra realtà e finzione – a cura di Joan Fontcuberta e Matteo Guidi, prodotto da ISIA Urbino e pubblicato da Corraini– si scopre ben presto che la fotografia è elemento costitutivo del parco, ponendosi al centro di una performance turistica iscritta in esso come modalità di produzione e consumo del luogo².

Eppure, come dimostra la lezione di Ghirri, è nella stessa fotografia, nell’ambito delle sue possibilità che individuiamo modalità diverse dello sguardo che violano quello che Martin Jay definisce come “regime scopico”³ della visione – una modalità di sguardo condivisa – producendo uno scarto che ci consente non solo di vedere in maniera più nitida ciò che osserviamo, ma anche di esaminare il modo in cui lo facciamo.

Questa riflessione acquista nuovo senso se prendiamo in considerazione lo sguardo dei mille dispositivi tecnologici che usiamo quotidianamente, protesi del nostro sguardo che costituiscono quel “parliament of things” di cui parla il filosofo Bruno Latour portando l’attenzione sui diritti, l’autonomia e la capacità di azione degli oggetti.⁴ È il tema più o meno esplicito di alcuni degli otto progetti contemporanei realizzati da giovani autrici e autori che trovano spazio nel volume.

Fotografie zenitali di alcuni dei monumenti del parco, accostate alle immagini degli stessi luoghi tratte dalla vista aera di Google Maps, mettono a confronto due modelli di astrazione che per motivi opposti, assenza o eccesso di dettagli, decontestualizzano i monumenti rappresentati dall’ambiente che li circonda. Un lavoro documentario sulla produzione di modelli dei visitatori del parco stampati in 3D per essere posizionati nel diorama attiva un processo di rimediazione della rappresentazione tra bi- e tridimensionale, portando alla luce questioni legate ai diritti d’immagine del soggetto. O ancora, l’utilizzo del microscopio nella produzione di vedute del parco degrada l’immagine originale fino a renderla qualcos’altro da sé, sintesi puntinista contemporanea e al tempo stesso immagine tecnica di laboratorio.

La mostra “In scala diversa. Luigi Ghirri, Italia in Miniatura e nuove prospettive” – curata da Joan Fontcuberta, Matteo Guidi e Ilaria Campioli promossa dal Comune di Reggio Emilia, in collaborazione con il parco Italia in Miniatura, l’Archivio Eredi Luigi Ghirri e ISIA Urbino – ha reso tangibile il dialogo tra i diversi materiali. Al centro, una selezione di immagini provenienti da negativi inediti del progetto In scala di Luigi Ghirri insieme alle immagini dall’omonima pubblicazione. Disegni, note e fotografie di studio provenienti dall’archivio del parco testimoniano la spontaneità, e allo stesso tempo la meticolosità e tenacia di un’esperienza di appropriazione e ricostruzione soggettiva del mondo. Le interpretazioni delle giovani autrici e degli autori sembrano ripartire proprio da lì: dalla necessità di comprendere come funziona il mondo, giocando con la rappresentazione, in cerca di verità.

2 – Per una trattazione più estesa si veda Pierini J. (2021), “To loose one’s way in a city requires some schooling”. In Fontcuberta J., Guidi M., Italia in Miniatura. Un percorso tra realtà e finzione. Mantova: Corraini.

3 – Martin J. (1993), Force Fields. Between Intellectual History and Cultural Critique, New York, Routledge.

4 – Latour B. (2021), “Una sociologia senza oggetto? Note sull’interoggettività”. In Latour B., Politiche del design. Semiotica degli artefatti e forme della socialità. Milano: Mimesis.

Mentre la sua esigenza di eleganza unita alla dote del buon gusto e ai saperi della moda lo portano alla scelta di sarti d’eccellenza, che confezionano su misura i suoi abiti e camicie. Sono maestri artigiani che divengono fornitori nonché amici per una vita intera. Nelle frequentazioni in quei laboratori, come nelle botteghe rinascimentali, si discute di moda, di tessuti, si scelgono i modelli, e si decidono i tagli per la realizzazione di tutto il guardaroba. Gabriele viene a conoscenza dei segreti sartoriali.

Il figlio, Riccardo Diotallevi, curatore dell’intero progetto, ha messo in connessione un’ottantina di disegni a una collezione di modellini di autobus, incastonando opere artistiche delle medesime tematiche, realizzate da Andrea Boldrini, Giancarlo Ercoli e Gino Sampaolesi. Nel catalogo, stampato per l’inaugurazione della mostra, sono raccolte le testimonianze scritte da Giancarlo Bassotti, critico d’arte, sul rapporto arte e moda; da Roberto Giolito, Head Heritage, FCA, sul car design e da Cristiana Paesani, designer, su moda e uso del tessuto.

CC – Peccioli è un laboratorio del contemporaneo, un luogo che ha messo insieme il riciclo di una discarica virtuosa con arte contemporanea, architettura e servizi evoluti. Qual è stata la tua percezione di questo contesto?

PT – Quando sono arrivato Peccioli la mia esperienza è stata fantastica. Ho trovato qui un luogo che già si era caratterizzato fortemente per un interesse nei confronti dei contenuti, della ricerca e soprattutto della capacità di trasformare condizioni complesse in una forza, in un valore capace di generare energia per il territorio sia materialmente che dal punto di vista economico. Un contesto incredibilmente fantastico, illuminato. Nel territorio, nella fisionomia del luogo, erano già presenti interventi di altri artisti contemporanei, che testimoniavano radici che risalgono a metà anni ’90. Ho quindi trovato un humus intelligente, ricettivo e soprattutto coltivato alla radice. Tutti i cittadini di Peccioli e le persone che abitavano in aree limitrofe come Ghizzano, e altri piccoli centri erano abituati ad avere nella normalità della loro esistenza urbana, la cultura come elemento fondante, proprio per la presenza delle opere di quegli artisti. Non solo, quindi, esisteva la capacità di acquisire queste informazioni e questi contenuti in maniera positiva, ma si era anche costituito un vocabolario che per quanto semplice, era stato già sviluppato come territorio connettivo, particolarmente ricettivo.

CC – David Tremlett con il muro di contenimento, Daniel Buren, Mario Cucinella, Sergio Staino, le Presenze dei grandi corpi in discarica, e il tuo ponte pedonale: come dialogano tutte queste esperienze autoriali e visive? C’è consapevolezza dl valore nella comunità?

PT – C’è stato un lavoro di preparazione, nel tempo. Una comunità reagisce bene se si inseriscono gradualmente piccoli elementi che costruiscono un vocabolario, anche esiguo, di riferimento, che rende l’arte, i contenuti artistici specifici e la ricerca, un’esperienza della vita all’interno del territorio. Quando sono arrivato e ho avuto la possibilità di intervenire in questo contesto così fertile, questo segno, il mio e il segno di tutti gli altri, si sono inseriti in un coro di eventi che la popolazione era in grado di interpretare, forse non esattamente nel modo in cui io pensavo. Ma quello che conta è generare una possibilità di riverbero dei contenuti, questa è la cosa più importante dell’esperienza di Peccioli. Ogni intervento ha un suo contenuto, una sua storia, un suo messaggio e la poliedricità di tutto questo genera un campo ancora più ampio, più intenso di possibilità di chi vive lì. La forza sta proprio nella capacità di costruire un dialogo con le persone che vivono i luoghi in modo che questi segni non rimangano gesti alieni, astronavi atterrate da un contesto altro, ma diventino elementi della storia, della narrazione del luogo, preparato nel tempo a recepire questi segni, a generare uno scambio con queste forme. In questa logica ogni forma, anche la più disparata, si inserisce in un campo energetico talmente ampio che non può che migliorare l’esperienza dell’artista in senso ampio.

CC – Endless Sunset: perché questo titolo?

PT – Il titolo è una parte importante di un’opera se l’artista vuole dare qualche informazione in più sul suo lavoro oltre la presenza fisica dell’intervento. Il riferimento è in relazione al paesaggio, all’idea emozionante di un tramonto che non finisce mai, di quel momento della giornata in cui si passa da uno stato di attività, di produzione, a un momento di relax e contemplazione. Il passaggio dal giorno alla sera è un momento intensissimo dove queste due frequenze si uniscono, si sovrappongono, in una sorta di transizione morbida in cui l’una entra dentro l’altra. L’idea era quella di evocare in chi passava sul ponte tutto questo. Il lavoro la racconta in tanti modi. Nella scelta della forma a spirale, ma quello stesso pensiero quella stessa idea, quella stessa forma nasce per poter proseguire all’infinito, potrebbe finire lì e proseguire altrove, in un altro paese, quasi giocando con uno spazio-tempo totalmente dilatato, esploso, non lineare. Nella relazione col paesaggio, poiché questa passerella così importante per dimensione – 135 metri, a 30 metri di altezza – si impone per chi cammina dal paese, per chi passa da sotto e vede quella forma che si staglia nel cielo. Per me era importante trovare una modalità semplice per reinserire, riassorbire nell’opera il più possibile il paesaggio o la natura, che è l’elemento sui cui si inserisce la passerella stessa.

CC – Come è nata l’idea della spirale, e la scelta del colore?

PT – Volevo costruire una forma che avesse una rappresentazione spaziale, fisica, del tempo, della sua ciclicità e del suo procedere, una forma esperienziale che si estende per tutta la lunghezza del percorso. L’obiettivo era raccontare cromaticamente una storia, creare una narrazione di fondo, quella del cielo che tramonta, che trapassa dalla luce al buio e in quel frangente ha una trasformazione cromatica incredibile, che ho replicato insieme a un colorista nella modalità della trasformazione di un cielo d’estate. Quei cromatismi li abbiamo proprio spalmati, dipinti – con una pittura fatta a mano, inventata – su tutta la pelle dell’opera partendo da un lato e andando indietro verso l’alto. L’idea di un momento che si dilata all’infinito, con i colori che si porta dietro fino all’ultimo istante è una delle esperienze cromatiche più forti, non solo per la capacità di generare un’emozione e una energia di gioia, ma proprio per la possibilità di entrare in contatto con la sfera cognitiva dell’essere umano che va oltre il concetto, il processo culturale, e piuttosto ha a che fare con sensazioni forti, basiche, dirette.Ecco, questa emozione doveva essere catturata, portata quasi all’infinito e regalata al passaggio di chiunque, poiché in un intervento pubblico l’artista ha una responsabilità in più. Deve trovare una sintesi nella propria ricerca che tenga fede all’essenza e all’evoluzione ma che sia anche capace di “semplificare il segnale”, trovando una frequenza intermedia in grado di dialogare con semplicità ed efficacia con un pubblico che non necessariamente è preparato al contatto con l’opera. Il valore del colore consente di accedere all’emozione a livello inconscio, al di là della preparazione culturale.

CC – Nel tuo lavoro la luce ha sempre avuto un ruolo fondamentale: come si colloca questa esperienza urbana nella tua attuale ricerca e produzione

PT – La luce è un elemento che ricorre fin dall’inizio nel mio lavoro. Quello che mi piace della luce è la sua capacità di raccontare qualcosa di vivo. Si tratta prima di tutto di un’energia che si manifesta a livello tecnico-formale, a livello visivo e percettivo, e poi è un energia fisica che scorre, non un inerte ma una forma viva che ha capacità di mutare. Questo si collega a livello sensoriale, visivo, cognitivo con l’idea di vita, del respiro. La luce è stata importante nella mia ricerca già nella prima serie di lavori verso la fine degli anni ’90, in rapporto alla possibilità di occupare lo spazio pubblico che significa considerare il dialogo con l’altro, rispettare il punto di vista altrui. Questo “altrui”, se veramente esteso a tutto il territorio, è talmente vasto e ampio da metterti di fronte a possibilità incredibili di scambio e di dialogo che tiene in piedi la ricerca artistica, l’arte, il desiderio di accumulare conoscenza, condividere conoscenza, consumare conoscenza. Un ciclo energetico, che continua ciclicamente a ripetersi, il motore che tiene in piedi l’arte. Sicuramente la mia.

In due secoli di attività la biblioteca è andata progressivamente estendendosi con sale e depositi ai vari piani dello stabile ma il cuore di questo patrimonio storico trova per lo più spazio al piano nobile nelle stanze degli Specchi allestite da Domenico Marzapani e Domenico Cervini, decorate da quadrature dei soffitti con temi cari all’Illuminismo, trame di grottesche di matrice raffaellesca e stilemi pompeiani con ritratti di filosofi e di scienziati illustri. Il recupero conservativo della Mozzi Borgetti, già descritto da Mappe, parte nel 2006 su progetto dell’architetto Marcello Santini e degli ingegneri Andrea Fornarelli e Guglielmo Cervigni, quest’ultimo stimato professionista del maceratese scomparso quest’anno all’età di 46 anni a causa del Covid. Il progetto per il nuovo allestimento inizia nel 2016 ad opera degli architetti Marco Scrivani e Simone Pennesi e segue la tendenza generale in atto in tutta Europa di concepire la biblioteca come luogo dove si punta meno a classificare e mettere a posto una grande quantità di libri nel centro delle città – spostando la funzione di magazzino in altri edifici – e di riconvertirlo all’accoglienza di un pubblico molto vario con degli spazi più aperti alla vita della comunità e ai visitatori, attratti dalla bellezza dell’edificio e del suo patrimonio librario. A questo va aggiunto che, trovandoci nell’era digitale, l’acquisizione di dati e informazioni avviene tramite i canali più diversi, i contenuti sono mutevoli e necessitano di un contenitore flessibile, versatile e adattabile.

Nel 2019 grazie a un progetto collettivo realizzato dagli architetti Scrivani e Pennesi, dal personale della biblioteca e dal comune, è stato terminato l’ampliamento funzionale e il nuovo allestimento della biblioteca che ha interessato soprattutto il piano terra dell’ex collegio dei gesuiti già ad uso della Mozzi Borgetti e la palazzina delle ex terme dove sono stati riconvertiti degli spazi usati in precedenza dai musei civici. Il nuovo polo culturale ora è costituita da due sale per i bambini e i ragazzi, una sala lettura con consultazione a scaffale aperto, un auditorium, una caffetteria, un programma espositivo e l’informagiovani.

Purtroppo ma non ad opera dei due architetti suddetti le è stata sottratta una sala lettura di rara bellezza organizzata nella loggia superiore dell’ex collegio dei gesuiti che originariamente aveva la funzione di specola e che ora è stata destinata ad ambiente espositivo determinando l’oscuramento delle suggestive finestre panoramiche.

Il piano di ingresso è stato concepito come piazza pubblica o proseguimento naturale della piazza antistante, Vittorio Veneto, e insieme a tutto il piano terra riassume con le nuove destinazioni d’uso e gli strumenti e i linguaggi usati, i modi con cui la biblioteca intercetta le differenti esigenze conoscitive.

Qui si succedono un reference a cui si aggiungono dei servizi di informazione digitali, l’emeroteca, le due sale per i bambini e i ragazzi, l’informa giovani, dei punti relax, una terrazza e il collegamento con la storica Sala Castiglioni attrezzata per presentazioni, conferenze e formazione. Il fruitore è guidato da un ricercato cromatismo che differenzia questi spazi e da una segnaletica, digitale e grafica. Grazie al nuovo ingresso open space dove sono collocate il reference, l’emeroteca e il book crossing, i percorsi sono facilmente intuibili
e attraverso il nuovo corpo scale e ascensore che raddoppia l’asse distributivo sui vari livelli di tutto il complesso, conducono scendendo alla public library a doppia altezza, all’auditorium e al programma espositivo con aule laboratoriali e salendo alla storica biblioteca Mozzi Borgetti.

La nuova sala lettura a scaffale aperto, con postazioni di lavoro mobile e aree relax, è a doppio livello, con ampie finestre preesistenti, distribuite su tre lati e funge da sala lettura per la ricerca, lo studio individuale e collettivo e per la condivisione di file audio e video. L’auditorium è polifunzionale con più di novecento posti ed è allestito per essere sala convegni, concerti, teatro. Le due sale per i più piccoli e per i ragazzi sono organizzate per differenti fasce d’età e hanno un catalogo che tiene conto anche dell’attività dell’associazione “Nati per leggere” della provincia e di “Ars in fabula”, prestigiosa scuola di illustrazione della città.

La BiblioKids è uno spazio aperto con tappeti e un arredamento mobile e comodo che rende merito agli studi di Maria Montessori, indicata da alcune fonti bibliografiche come socia dell’Accademia dei Catenati di Macerata che ancora conserva la sua sede in questo palazzo. La BiblioJunior con librerie facilmente accessibili e la sala lettura dell’emeroteca sono ancora poco definite e ridotte a causa della sistemazione in emergenza di altre destinazioni d’uso, sia per il post terremoto che per il Covid. Inoltre chiudendo alle diciotto e trenta, la Biblioteca Comunale non consente ad alcun lavoratore di approfittare nel corso delle ore serali di questo servizio pubblico.

Il fondo storico della Biblioteca Mozzi Borgetti è consultabile solo su prenotazione e la sua visita è gestita dagli operatori dei musei civici. Nell’ottica dell’apprendimento attivo sarebbe però auspicabile che l’accesso e la consultazione dei volumi storici fosse a scaffale aperto. Per il momento l’uso della tecnologia attuale ha come per tutte le biblioteche moderne i vantaggi di collezionare più di quello che queste istituzioni possono permettersi di comprare e di far accedere a materiali prima non disponibili agli utenti, preservando anche documenti rari per le generazioni a venire.