Il collettivo Congerie nasce nel 2019 come gesto artistico e politico, come risposta incarnata alle fratture ambientali, sociali e identitarie che attraversano Vallecascia – una piccola frazione nel comune di Montecassiano, nel cuore rurale e marginale delle Marche. Fin dalla sua fondazione, il gruppo si è costituito come un organismo poroso, un osservatorio partecipato e immersivo, capace di ascoltare il battito irregolare di un territorio dimenticato e di rispondere non con la sola documentazione o denuncia, ma con l’invenzione di nuove forme di abitabilità sensibile e comunitaria.

Congerie non si limita a osservare: il suo è un lavoro di restituzione poetica del reale, in cui la rovina non è un ostacolo ma un varco; non un segno della fine, ma un inizio possibile. La pratica artistica diventa così uno strumento di indagine e di riappropriazione, capace di smuovere ciò che si credeva immobile. Attraverso l’arte, la performance, il rito, Congerie tenta una risemantizzazione radicale del paesaggio, al di là delle facili pacificazioni. Il centro gravitazionale di questa ricerca è Vallecascia, un’area a vocazione industriale cresciuta nei primi decenni del Novecento attorno alla Fornace Smorlesi, storica fabbrica di laterizi che ha segnato profondamente l’identità economica e simbolica del territorio.

Per quasi un secolo, la fornace ha rappresentato un punto di aggregazione sociale e lavorativa: un luogo di fatica e di coesione, ma anche di dipendenza economica. Quando, nel 2012, la fabbrica ha chiuso i battenti, ciò che è rimasto non è stato solo un relitto architettonico – vasto, spettrale, degradato, pieno di amianto – ma un vuoto comunitario: la dissoluzione di una forma di appartenenza.

È a partire da questa cesura che Congerie sceglie di tornare alla fornace. Non con lo sguardo pietrificato della nostalgia, né con la retorica museale della conservazione, ma interrogando le possibilità di un nuovo patto immaginativo con lo spazio e con le sue memorie ferite. Come trasformare la rovina in soglia e non in reliquia? Dal 2019, queste domande prendono corpo in I Fumi della Fornace, un progetto curatoriale e un rito comunitario che si svolge annualmente attorno e all’interno dell’ex sito produttivo. Non una semplice rassegna, ma un processo di riattivazione simbolica e relazionale, in cui la fabbrica abbandonata viene attraversata, abitata e trasformata. I Fumi della Fornace si struttura come un dispositivo collettivo in cui la memoria operaia si intreccia con le forme espressive del presente: testimonianze orali, installazioni site-specific, pratiche performative, arti visive e momenti conviviali compongono una drammaturgia plurale che tiene insieme la carne del passato e il desiderio del possibile.

Chi partecipa non è spettatore, ma coabitante temporaneo: artista, ricercatore, abitante o visitatore è chiamato a esporsi, a confrontarsi con la materia instabile del luogo. In questo senso, I Fumi della Fornace è una pratica di prossimità, una forma di attesa attiva, un esercizio di attenzione. È un gesto poetico-politico che tenta di riscrivere le condizioni dell’abitare, riconnettendo ambiente, storia e comunità attraverso il linguaggio poroso dell’arte. La fornace non è più solo un segno del passato: diventa un corpo condiviso, un archivio di fantasmi e possibilità, un campo magnetico in cui la memoria si fa gesto. L’esperienza di Congerie propone una modalità altra di presenza; una modalità che sa che l’abitare (l’occupare e occuparsi di eredità) non è mai innocente, ma può essere ancora generativo. In Vallecascia, tra i detriti di un tempo sospeso, Congerie non cerca di ricostruire ciò che è perduto, ma di abitare poeticamente l’irrimediabile. E da lì, forse, inventare un’altra forma di comunità.

Leva 1978, nasco a Roma, ma cresco a Cassano d’Adda in provincia di Milano. Inizio a 16 anni a coltivare la passione per la musica mettendo su una band di rock progressive, i “De Generazione” dove suono i sintetizzatori. A 18 anni lascio la band e mi dedico come solista alla musica elettronica. Per l’acquisto di nuovi sinth intraprendo il lavoro serale presso il “Dopo”. Dopo due anni e un corso base cocktail inizio il percorso a Milano dove dopo circa sei mesi incontro il mentore Enrico Contro detto “Frog”. Da quel momento inizio uno studio ossessivo sul mondo del cocktail e della merceologia. Affianco il lavoro alla musica, all’università e alla marjuana (in tutto questo il viaggio è sempre stato un compagno). Due volte all’anno prendo uno zaino e parto alla scoperta di cucine, bevande, religioni, usanze, rituali nuovi. L’esigenza di nuovi ingredienti da utilizzare mi porta ad approfondire studi erboristici e tecniche di estrazione in idroalcolica da piante e spezie. Divento in poco tempo una sorta di esperto di ingredienti homemade, tanto da essere chiamato a seguire un opening in Benin, West Africa.

Dopo l’Africa mollo tutto e tutti e parto per Parigi dove vengo chiamato per l’opening di “Grazie”, pizzeria-cocktail-bar nel cuore del Marais. A Parigi avverto la necessità di sviluppare nuove idee, decido così di iniziare a studiare la profumeria. In poco tempo scopro un universo di nuovi ingredienti e inizio a divertirmi trasformando i profumi più conosciuti in drink. La cava di Grazie diventa un laboratorio ricco di barattoli con erbe e spezie in infusione. Durante una delle mie prove spray al bancone vedo una donna incuriosita dal mio modo di lavorare e di annusare in continuazione qualsiasi cosa. Esordisce alla seconda vaporizzata dicendomi “ça sent Shalimar!” Càspita, gli dico, sì, ho riprodotto in versione edibile e senza utilizzo di olii essenziali proprio Shalimar. Si tratta di Isabelle Doyenne, naso di Annick Goutal che scopro essere la zia di Julien il mio capo di Parigi ormai diventato dopo 15 anni di collaborazione uno dei miei più cari amici. Da quel momento almeno una volta al mese approfitto e mi getto letteralmente nel laboratorio dove Isabelle crea le sue fragranze e scopro un mondo incredibile, più di 3000 odori diversi e da quel momento la profumeria mi diventa un’ossessione.

Così volo a Grasse a scoprire da dove nasce tutto e inizio ad acquistare libri su libri, non dormo più, lavoro e studio, fumo e bevo. Obiettivo: potermi sedere un giorno a discutere con un naso e parlare il suo stesso linguaggio.

Alla metà degli anni 90 i fratelli Giovanni, Virgilio, Giuseppe, Giannunzio, Adolfo ricoprivano a vario titolo il ruolo di amministratori della Finanziaria Mariano Guzzini (FIMAG), che controllava le diverse aziende del Gruppo Guzzini. Erano i fondatori delle aziende iGuzzini illuminazione nel 1959, di Teuco nel 1970 e avevano rafforzato il marchio di Fratelli Guzzini, fondata nel 1912 dai propri zii e dal padre Mariano. Aziende di successo internazionale per il settore in cui operavano e per il territorio in cui erano situate: Recanati, le Marche.

La storia di questa attività imprenditoriale di successo doveva essere conservata e messa a disposizione di quanti per ragioni di studio e di ricerca l’avessero voluta approfondire. Per questo nel 1996 FIMAG decise di creare un archivio storico delle proprie aziende, affidandone il progetto ad Anty Pansera, storico del disegno industriale, affiancata per il coordinamento dal Centro Studi iGuzzini, di cui ero il direttore.

Visto il grande valore culturale di prodotti e documenti storici che stavamo sistemando per l’archivio, FIMAG accolse la nostra proposta di far conoscere la storia e la cultura del proprio gruppo industriale in una grande mostra da allestire a Milano, centro della cultura del design e in quegli anni, grazie ad Assolombarda, della promozione della storia della cultura industriale. Qualche anno dopo Assolombarda creò l’Associazione degli Archivi e Musei di impresa, con FIMAG tra i soci fondatori insieme, tra gli altri, ad Alessi, Pirelli, Ducati, Barilla.

Ideando la mostra sentivamo l’esigenza di trovare un elemento che comunicasse con forza e, allo stesso tempo, fosse simbolo della cultura del Gruppo Guzzini, basata sull’innovazione tipologica, tecnologica, produttiva, che si esprimeva nel design dei propri prodotti. Sentivamo che questi valori potevano essere sintetizzati nella video-arte, la più contemporanea delle espressioni artistiche. In quegli anni l’avvento dei personal computer, la diffusione della cultura e dell’industria dei videogiochi, il sempre più vivo interesse dell’industria cinematografica e televisiva per i cosiddetti effetti speciali, avevano contribuito a far uscire la video-arte e la computer grafica da una sorta di cultura underground. Festival specializzati e non ospitavano esposizioni, incontri e convegni con critici e artisti di questa nuove forme espressive. Fu durante il festival Ars Elettronica di Camerino dell’85 che rimasi colpito dalle parole di Mario Sasso che proponeva alle amministrazioni delle città di commissionare un certo numero di opere elettroniche, destinate ad affiancare i campanili e le torri nei panorami urbani, per attribuire nuovo interesse ai centri urbani con espressioni artistiche della contemporaneità. Successivamente la sigla per il TG3 Rai con la musica di Brian Eno avevano aumentato in me l’interesse verso questo artista, per giunta marchigiano.

Grazie al comune amico Armando Ginesi, storico e critico d’arte, incontrammo nel 1996 Mario Sasso che accettò con entusiasmo la proposta. Non nascondo che esponemmo a FIMAG la realizzazione di questa opera con un po’ di titubanza per la trasgressione dalla tradizione e l’impegnativo budget economico; tuttavia la proposta fu accolta subito con molto favore, segno della assoluta sintonia culturale tra l’artista e i committenti. Avevamo colto nel segno!

Il Personale Opera d’arte site-specific di Claire Fontaine

Fondazione Ermanno Casoli – Fabriano

La creazione dello slogan “Il personale è politico” viene attribuita a Carol Hanisch, attivista femminista statunitense che lo utilizzò in un testo pubblicato nel 1970 in cui sottolineava l’importanza di considerare sempre le esperienze personali, quando si discute di questioni politiche e sociali, ma anche di riconoscere che queste dinamiche possono riflettere e influenzare le strutture di potere esistenti. In altre parole, ciò che accade nella sfera personale può avere un impatto significativo sulle questioni politiche e sociali più ampie e viceversa.

Claire Fontaine riaccende questo slogan nell’installazione luminosa site-specific Il personale, creata per il luogo più iconico dell’headquarter di Elica in occasione della XXI edizione del Premio Ermanno Casoli. Elica è un’azienda che da molti anni, attraverso i progetti messi in campo con la Fondazione Ermanno Casoli, si avvale dell’arte contemporanea come strumento di conoscenza e di crescita, volto a potenziare la cultura del cambiamento e dell’innovazione all’interno dell’organizzazione aziendale.

L’ispirazione per questa nuova opera nasce dalle riflessioni scaturite durante il workshop “Lavoro femminile visibile e invisibile” tenuto dall’artista e rivolto a un gruppo di trenta donne, individuate con un open call, tra quelle che rivestono ruoli manageriali all’interno dell’azienda. Confrontandosi sulle tematiche sollevate dalla lettura di testi femministi e sulla condizione delle donne nell’attuale mondo del lavoro, ogni partecipante ha avuto l’opportunità di raccontare la sua storia condividendo la propria esperienza con il gruppo, potendone così riconoscere la validità. Narrare la propria storia, potersi riconoscere in quella degli altri, rendere pubblico un proprio percorso interno, hanno rappresentato momenti dal valore inestimabile in cui Claire Fontaine ha avuto un ruolo chiave, ispirando importanti riflessioni nelle partecipanti, irradiando energia e passione.

Elica ha compreso quanto le imprese possano imparare dall’arte, non solo nel campo più specifico della ricerca, della sperimentazione e del marketing, ma anche e soprattutto nell’ambito delle risorse umane. Attraverso le modalità di lavoro degli artisti si possono più facilmente comprendere le dinamiche interpersonali creando percorsi di integrazione reciprocamente vantaggiosi, si può apprendere non solo come rispondere alle necessità, ma anche come rendere tangibili e personali i valori. In generale, un’azienda che si confronta con l’arte contemporanea viene percepita come dotata di maggiore sensibilità, in quanto l’arte tocca aspetti fondanti della persona sia dal punto di vista cognitivo che emotivo. Attraverso questo processo si può trasformare la percezione stessa del lavoro, delle relazioni, dei linguaggi, ma anche dell’investimento intellettuale ed emozionale.

La mostra dei lavori di Enzo Cucchi ospitata alla Galleria Giustini/Stagetti di Roma è un passaggio piccolo ma importante di questa fase della carriera dell’artista marchigiano-romano. La mostra consiste di 22 ceramiche di dimensioni non superiori ai 40/50 centimetri variamente trattate e tre sculture verticali alte poco più di due metri. La combinazione di due tecniche (e geometrie) così diverse è apparsa come una strategia particolarmente appropriata rispetto all’intento artistico di Cucchi in questa esposizione. Le terrecotte, prodotte appositamente per questa mostra, sono molto presenti nel lavoro recente dell’artista. Cucchi le usa come un dispositivo plastico e semantico dotato di grande potenzialità. Incarnano molte delle sue infinite passioni, curiosità, interessi.

La natura materiale di ceramica e terracotta ci riporta immediatamente al legame dell’artista con le sue origini e con una terra, quella marchigiana, punteggiata da mille fornaci e dove per secoli quasi ogni edificio era costruito con tegole, mattoni, mostre e decorazioni realizzate appunto lavorando l’argilla. Le Marche quindi ma anche la passione di Cucchi per l’architettura, per la capacità di architetti e designers – almeno i designers con i quali ha voluto lavorare – di combinare materiali e spazio, esattamente come fa lui in questa mostra. L’argilla, smaltata o meno, si presta anche al gusto di Cucchi per miscelare nella stessa figura parti opache e parti smaltate, colori naturali e inserti tinti con varianti rumorose di gialli, azzurri, nero.

La terracotta infine è duttile e disponibile a ogni combinazione di forme, accetta senza fatica gli animali, i teschi, gli scheletri le forme che le vengono aggiunte, sopporta i salti di scala che piacciono a Enzo, è astratta e figurativa allo stesso tempo proprio come l’autore che in questo caso la lavora. Le tre sculture in stucco presenti nella mostra, bianche, popolate anche loro di inserti – in questo caso “anatomici”- come le altre opere esposte, sono invece quanto di più vicino a un autoritratto Cucchi voglia concederci: ieratiche e bianche, alte e slanciate, piene di pensieri strani, pronte a incorporare lacune e aggiunte. Probabilmente servono anche ad aiutare il visitatore a riconnettere il lavoro che Cucchi fa con la ceramica con il resto della sua opera plastica, pittorica e spaziale, ma comunque sempre attratta dalla scrittura e dalle parole.

Enzo Cucchi è uno dei grandi maestri che hanno segnato la storia dell’arte italiana e ancora oggi è tra gli artisti più prolifici, originali e anticonvenzionali della scena contemporanea. Cucchi compone le sue opere come poesie, con immagini come fossero parole aggregate per associazioni libere e spontanee. Negli anni l’artista ha creato un proprio personale alfabeto, con una grammatica e sintassi, che agisce come un flusso di coscienza. Seguendo un principio di composizione linguistica e visiva e liberando immagini, apparizioni, memorie, visioni dà forma a opere che attraversano altrettanto liberamente stili, tecniche e materiali diversi. Una costante e instancabile ricerca tesa a oltrepassare i confini tra disegno, pittura, scultura, installazione con opere che rileggono continuamente iconografie tratte dal suo vissuto e immaginario e dalla storia dell’arte. L’artista ritrova così l’autenticità del proprio gesto e dichiara l’arte come dimensione libera, senza generi e limiti, pratica quotidiana e spirituale in cui vita e opera sono costantemente ribaditi come indistinguibili.

La sua ricerca è impossibile da imbrigliare in un tipo di discorso che voglia ordinare e mettere in campo analiticamente la sua opera. La mostra Enzo Cucchi. Il poeta e il mago ha preso una strada diversa, proponendo al pubblico uno spartito aperto che suggerisca tracce parallele e ugualmente valide per interpretare un lavoro mutevole e in perenne movimento. Il titolo richiama la dualità insita nella sua figura: da una parte la creazione intesa come fraseggio di versi in un ritmo libero da ogni intento prosastico, dall’altra un artista che si fa portatore del mistero delle cose modificando alchemicamente la materia cui si avvicina.

La pratica di Enzo Cucchi si colloca in un limbo in cui ogni ipotesi identificativa diventa subito controversa e contraddittoria. Affrontando la progettazione del percorso espositivo si è partiti da questo elemento accettandolo come parte integrante del lavoro dell’artista e leggendoil détournement che attraversa la sua ricerca come una possibilità di rilettura della storia dell’arte italiana degli ultimi decenni.

Il sipario d’artista rappresenta lo spazio che l’uomo, nel corso dei secoli, ha allestito per trasmettere le proprie idee e la propria storia, mediante il linguaggio ammaliante della pittura. Nonostante le tante innovazioni tecnologiche che oggi caratterizzano il teatro contemporaneo, rimane uno dei pochi elementi analogici e di carattere stabile al suo interno. Risulta perciò ostico immaginare di poter conservare un valore artistico e culturale creando una commistione tra antico e moderno. Tuttavia, l’inusuale sipario realizzato dal Maestro Enzo Cucchi per il Teatro La Fenice di Senigallia stravolge l’aspetto tradizionale del velario dipinto creando una stretta connessione con l’architettura del Teatro e la sua storia. Dopo oltre sessant’anni dal terremoto del 1930 che danneggiò il vecchio edificio teatrale, La Fenice venne ricostruita nella medesima area. Risorta in un politeama al di sopra di un reperto archeologico, venne inaugurata insieme al suo sipario, il 5 dicembre 1996.

La fama di cui gode l’artista, la scelta di un supporto in alluminio e gli astratti soggetti raffigurati conferiscono all’opera un “sapore” unico al mondo. In uno stato ancora embrionale, la rossa Creatura rappresenta il cuore energico e pulsante dell’intero edificio, come fosse lo spirito che governa questo luogo. La sua forma rimanda alla sagoma di una chiave, quella necessaria ad aprire un nuovo percorso. Questa sovrasta e osserva dall’alto i simboli storici di Senigallia resi, tramite l’impiego di fibre ottiche, in veri segni di luce. L’inesauribile lavoro si può tradurre, quindi, come elemento di raccordo tra un passato storico e un futuro imminente o già in corso.

Un’opera di questo calibro è stata esposta maggiormente alla critica, generando contestazioni riguardanti vari aspetti. Per una realtà ancora troppo conservatrice, non aver preservato l’antico Teatro ottocentesco significava disinteresse e incompetenza nei confronti del patrimonio culturale della città, riversando ostilità anche nell’inatteso Sipario. Gli studi condotti in questo assunto vogliono dimostrare il valore storico-culturale che l’intero complesso racchiude, nella speranza che la grande opera di Cucchi venga ripristinata nella sua globale valenza. Una seconda versione della parete metallica venne realizzata in tela di pvc ed esposta nel 1997 accanto a Balla, de Chirico, Savinio, Picasso e Paolini in occasione della mostra Sipario allestita al Museo d’Arte Contemporanea del Castello di Rivoli. La fama di cui gode il museo ha permesso di espandere notevolmente il rinomato valore artistico dell’opera.

Sono nata a Milano, dove ho studiato architettura, da anni vivo e lavoro ad Ancona, dove ho operato principalmente, anche con progetti molto impegnativi. L’anno spartiacque è stato il 1999, in cui ho partecipato alla Biennale di Venezia curata da Harald Szeemann. Nella mia ricerca è insita una caratteristica di complessità e un amore maggiore per il progetto in sé, che svela una poetica più attenta alla genesi e al procedimento creativo, piuttosto che all’oggetto finale. Vi presento qui due progetti, legati a temi differenti – lo scarto umano e le metamorfosi -, che io vedo intrecciati tra loro e che stanno muovendo i maggiori cambiamenti evolutivi di questo periodo.

Il primo progetto dal titolo Recare amore di natura e vita 2022, è un’installazione legata al tema dello scarto umano, che è stata esposta in due sedi e allestimenti diversi – Recanati e Monza, – la prima a cura di Nikla Cingolani, la seconda a cura di Simona Bartolena. La seconda installazione ha come titolo Metamorfosi dell’anima 2023. La prima delle due opere è pensata a partire dall’osservazione di un fenomeno del nostro territorio marchigiano, il disfacimento del piccolo patrimonio industriale esistente, delle piccole realtà manifatturiere, di solito a tenuta famigliare, sparse in varie aree, che hanno rappresentato un esempio economico virtuoso, e ora destinate a scomparire per abbandono e decadenza. L’assenza dell’attività umana di questi edifici resta come un enorme vuoto di un sogno storico ed economico infranto e sono come spazi intrappolati in una propria sospensione temporale, senza identità alcuna, come vuoti in un silenzio agghiacciante.

Oggi è già il domani che desideri. Ci presentiamo così a Rebel House, subito dopo l’insegna che indica l’ingresso e invita ad entrare nella nostra casa ribelle. La prima cosa che è possibile leggere si trova esattamente a portata di una falcata, campeggiando a grandi caratteri sui gradini delle scale. È la frase conclusiva di una poesia scritta da Mattia, il proprietario di casa, che recita come un mantra esortativo l’invito a credere e, nondimeno, a lavorare perché ciò in cui si crede possa compiersi: “oggi è già il domani che desideri”. Di questa frase ci siamo fregiati e con questa frase abbiamo deciso di volerci confrontare ogni giorno che abbiamo pianificato e organizzato un evento culturalenel palazzo, così che anche quando ci sembrava impossibile poter invitare nel nostro salotto un grande artista, lei era pronta a riflettere il nostro obiettivo, ricordandoci di schierare in campo sempre la caparbia, non solamente ma specialmente, se la posizione geografica di riferimento non è esattamente latitudine 45°27’40.68’’ nord e longitudine 9°09’34.20’’ est (per intenderci: Milano).

Così da metà dicembre di quest’anno abbiamo spalancato i portoni alla prima stagione di house concert intimamente ribelli, strenuamente voluti, minuziosamente ricercati e appassionatamente presentati come imprenditori ancora neofiti del settore. Sì, perché una delle sfide che abbiamo voluto abbracciare con Rebel House è stata proprio quella di produrre una rassegna di progetti culturali di stampo musicale, letterario, cinematografico e artistico, non con la solita formula associazionistica o volontaria ma definendo una struttura aziendale sì circoscritta e semplificata, ma pur sempre di stampo societario. Rebel House Srls è la nostra ragione sociale e il motivo della sua fondazione trova il presupposto sulle istanze appena tratteggiate e, come recita il nostro manifesto: “Rebel House è un’impresa creativa costituita per assecondare i moti d’animo dei fondatori! L’attività prevista è talmente ampia e poliedrica da permetterci di compiacere ogni nostro sfizio e di condurre in questa giostra di ribellione chiunque abbia voglia di farsi un giro”. E di giri ne abbiamo fatti parecchi in soli quattro mesi e mezzo, e i compagni di viaggio, che sono stati eccezionali, li siamo andati a recuperare da ogni parte dello stivale: il Maestro Pellegrini (seconda chitarra degli Zen Circus) ha aperto le danze con una doppia data in solo e in coppia col padre Andrea a dicembre, dando il via a spettacoli di una coinvolgente sensibilità; poi è stato il turno di Vincenzo Fasano, nome d’arte di Gianluca Florulli, che con la sua musica canta l’urgenza di interessarsi al mondo in cui viviamo e di attivare un cambiamento attitudinale per contrastare quello climatico; Cristiano Godano ci ha regalato invece un concerto in solo che raramente concede e che ha ridestato nella musica suonata dal vivo, momenti di un lirismo che personalmente avevo ormai dimenticato, un po’ per la frenesia con cui la si suona ultimamente e un po’ per la distrazione con cui la si fruisce.

Al di là di tutte le retoriche del vivere agreste, bucolici esotismi e superficiali desideri campagnoli, una piccola comunità di individui visionari si trova per caso a condividere in questo entroterra marchigiano (tra Loretello e Pergola) una presenza semplice, silenziosamente produttiva di chi ci è nato o ci è venuto a vivere.

Perché?

Abbiamo chiesto semplicemente il perché a: Roberto Coda Zabetta (artista), Giovanni Gaggia e Mattia Galanti (Casa Sponge), Mattia Priori e Serena Pierfranceschi (Casamavì), Rita Camillucci e Raffaele Gentili (Blooming), Simone Massi e Julia Gromskaya (artisti, film di animazione poetica), Giovanni Mecozzi e Cecilia Verdini (architetti), a Stephanie Chauvel (textile designer) e al sottoscritto Davide Quadrio (curatore / producer Arthub).

Foto Henrik Blomqvist

Nell’alta valle del fiume Tronto emerge un significativo numero di cave, presenza importante soprattutto nella parte compresa tra Acquasanta e Ascoli Piceno. Su questi territori Terra Vettore sceglie di lavorare sul travertino, pietra dura e allo stesso tempo porosa nel saper assorbire e tramandare storie, testandone le potenzialità come strumento espressivo, capace di raccontare storie e costruire paesaggi. Come terreno di sperimentazione viene scelto il tracciato di un’antica mulattiera, un circuito di grande interesse sia sul fronte naturalistico, sia per la presenza di alcune testimonianze architettoniche estremamente interessanti: il forte medievale di Castel di Luco, il Monastero di San Benedetto in Valledacqua (970 d. C.) e il borgo medievale di Paggese. Nelle due edizioni del progetto (luglio 2020, maggio 2021) sono state bandite delle call for artist per selezionare, tramite blind review, artisti residenti nel cratere del terremoto.

Ai vincitori sono state affidate la progettazione e la realizzazione di installazioni in travertino capaci di dialogare col contesto e offrirne nuove possibilità di fruizione. Agli artisti è stato offerto dalla cava locale Tancredi un blocco di travertino ed è stata concessa massima libertà espressiva. Nella prima edizione, nonostante le restrizioni dovute al Covid-19, sono state allestite una residenza d’artista e un’area cantiere negli spazi di una vecchia segheria in disuso.

ISIA Urbino con i suoi docenti Leonardo Sonnoli e Irene Bacchi ha sviluppato la nuova identità visiva della Galleria Nazionale delle Marche, museo che vanta una delle più importanti collezioni d’arte del nostro paese e che ha sede nel Palazzo Ducale di Urbino. L’istituzione culturale, diretta da Luigi Gallo, ha deciso di abbandonare l’uso del logo raffigurante lo stemma del Duca Federico da Montefeltro, consapevole del fatto che tale immagine tendeva a identificare il museo con la sua splendida sede e la sua raccolta, trascurando di rappresentare l’attività culturale ed espositiva, di cui è promotrice.

Il nuovo progetto di identità grafica doveva quindi esprimere la collezione e la contemporaneità di un organismo culturale vivace e con lo sguardo proiettato verso il futuro, riaffermandone al contempo il legame imprescindibile con la storia e il glorioso passato rinascimentale della città. Nella Galleria Nazionale delle Marche è conservato un patrimonio di opere d’arte dal XIV al XVIII secolo e in particolare alcuni capolavori del Rinascimento italiano ad opera di Piero della Francesca, Raffaello e Tiziano. Il Palazzo Ducale di Urbino sede della Galleria è uno degli esempi più alti dell’architettura e dell’arte rinascimentali. Voluto da Federico da Montefeltro (1422-1482), il Palazzo venne edificato in un arco temporale piuttosto lungo, ma la sua struttura si caratterizza per l’impronta di due progettisti in particolare che soprintesero ai lavori di costruzione: l’architetto dalmata Luciano Laurana e successivamente l’ingegnere senese Francesco di Giorgio Martini. Il progetto è partito dalla riflessione sui concetti rinascimentali di modularità e proporzione, mirabilmente interpretati da Francesco di Giorgio Martini nel progetto del Palazzo.

La struttura architettonica dell’edificio è stata definita da Paolo Dal Poggetto una “vivace armonia delle asimmetrie” e alla sua dinamicità contribuisce l’uso di un modulo reticolare, il cui ritmo varia per assecondare esigenze funzionali e vincoli toponomastici.

Così Pasquale Rotondi, nel celebre libro Francesco di Giorgio nel Palazzo Ducale di Urbino curato da Michele Provinciali, descrive gli interni: “Il cortile d’onore, lo scalone monumentale, il salone del trono, la sala degli angeli e l’appartamento del duca con gli ambienti sottostanti […] si succedono con un continuo mutamento delle cubature spaziali […] La planimetria di questa parte dell’edifizio è variatissima. Impostate con la forma di reticolato a scacchiera, le cui maglie di varia grandezza […] si succedono parallele […].”